[Columna] Tatsuro Yamashita: Estética analógica y cambios en el sonido tras la transición a lo digital
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Entorno de producción, equipo, métodos de grabación, cultura del estudio, especificaciones de los medios.
Texto: mmr｜Tema: De la era del city pop a los últimos trabajos, sobre la filosofía sonora seguida por la “gente discográfica”
En la historia de la música pop japonesa, Tatsuro Yamashita no es sólo un vocalista y compositor, sino también uno de los principales “autores discográficos” de Japón. Lo que recorre sus álbumes, más que tendencias o géneros musicales que cambian con los tiempos, es tecnología de grabación, medio y filosofía acústica.
especialmente,
- Creación de sonido completa en la era de las cintas analógicas
- Cambios y selecciones cuidadosos después de introducir la grabación digital/equipo digital
- Relación con la cultura de estudio en la era pop de la ciudad
- Coherencia de la filosofía en remasterizaciones recientes
Estos cambios no son simplemente diferencias en la calidad del sonido, sino que reflejan la historia de la grabación popular en el propio Japón.
1. Década de 1970: la edad de oro de la cinta analógica y la fundación de Tatsuro Yamashita
■ Nena de azúcar (1973–1976)
La perspectiva musical de Tatsuro Yamashita se formó en la cultura de grabación analógica de rock/pop de este período.
- Medio de grabación: Cinta multipista analógica (2 pulgadas, principalmente 16-24tr)
- Estudio: primeros estudios japoneses (Victor, Nichion, CBS Sony, etc.)
- Fondo musical: Profundo compromiso con la cultura discográfica americana como Brian Wilson, Phil Spector, Stax, etc.
Durante este período, Tatsuro dijo que ya había solidificado la idea de que “la tecnología de grabación es la base de la música”.
■ Características sonoras de “SONGS” (1975)
- Sobregrabación de auto-coro
- Sonido de sala muerta de batería
- Grabación en vivo de trompetas/cuerdas.
- Analógico específico rango medio-bajo grueso
Ya habían comenzado los arreglos y grabaciones optimizadas para características analógicas.
2. Finales de la década de 1970: período inicial en solitario y versión completa de “Analog Layer”
■ “ESPACIOSO” (1977), “¡ADELANTE!” (1978)
Este período fue la era en la que Tatsuro hizo pleno uso de la grabación analógica de 24 pistas.
Características:
- Compresión de sensación de temperatura con cinta
- Sobregrabación de la interpretación manual (guitarra, teclado, percusión)
- Docenas de voces sobregrabadas
En años posteriores, Tatsuro dijo: “Cuanto más superpongas lo analógico, más matices se unirán”, y las obras de esta época son la forma ideal de esto.
3. 1980–1982: “VIAJA A TIEMPO” “PARA TI”
■ El pináculo de la tecnología de grabación en la era del pop urbano
A principios de la década de 1980, la tecnología de los estudios japoneses había alcanzado un nivel mundial. En el centro de todo esto estaba CBS Sony Shinanomachi Studio.
▼ Pico de grabación analógica
- Equipo utilizado: Studer A80/A800 24tr, consola NEVE
- Ritmo: Batería en vivo + grabación analógica.
- Guitarra: Tono cálido a través del compresor.
- Coro: “capas densas” exclusivas de lo analógico
- Reverb: Placa EMT 140 con pre-retardo Lexicon
El sonido de esta época a menudo se conoce como la “forma ideal de pop urbano”.
■ Estética de grabación de “PARA TI” (1982)
Se dice que esta obra es una de las mejores obras de Tatsuro. Características acústicas:
- El nivel más alto de claridad en grabación analógica
- El “grosor” de las grabaciones de batería analógica
- Densidad y localización del coro perfectas.
- El lado de los agudos es redondeado y se siente como un oído analógico.
Una obra rara que es completamente analógica pero tiene una resolución moderna.
4. Finales de la década de 1980: período de adopción digital y transición cautelosa
El CD fue lanzado en Japón en 1982. A finales de la década de 1980, los equipos de grabación digital (PCM, multi digital, reverberación digital) comenzaron a extenderse rápidamente.
Sin embargo, Tatsuro Yamashita es uno de los artistas que se mostró más cauteloso con la digitalización.
■ Primera introducción de lo digital
Tatsuro comenzó a utilizar equipos digitales en serio.
- Se introdujeron sintetizadores digitales (DX7, etc.)
- Uso limitado de reverberación digital (Lexicon 224/480)
- La grabación en sí mantiene fuertemente la “cinta analógica”.
Específicamente, evité la grabación digital por las siguientes razones:
- En las primeras etapas de la grabación digital, las frecuencias altas son duras y la profundidad se pierde fácilmente.
- Odiaba perder la “redondez” de la sobregrabación analógica.
- Lo analógico fue mejor para construir mi propio coro.
De hecho, dice Tatsuro, “La era en la que las 24 pistas analógicas quedaron obsoletas fue una crisis para la música”.
5. Década de 1990: entrada en la era de la grabación digital y nuevos enfoques
En la década de 1990, la industria hizo una transición completa a lo digital.
▼ Aunque Tatsuro hizo la transición a la grabación digital, su postura básica siguió siendo la misma.
- Adopta grabación digital
- Sin embargo, mayor procesamiento para mantener la textura analógica
- Las grabaciones de instrumentos musicales todavía utilizan mucho sonido en vivo.
- Método de grabación de coro continuo
■ “ARTESANO” (1991)
- Una obra maestra de la era de la grabación digital en toda regla.
- Alta resolución, rango medio-alto claro
- Usar equipos digitales manteniendo las técnicas de coro de la era analógica.
- El sonido es agudo pero no frío.
Tatsuro dice: “Incluso con la grabación digital, puedes crear una sensación de temperatura dependiendo de cómo la grabes”.
6. Década de 2000: La madurez de la producción digital y el establecimiento de lo “digital analógico”
■ Filosofía de grabación de la década de 2000
- El entorno de producción es completamente digital.
- Sin embargo, concéntrese en la selección del micrófono y el sonido de la sala durante la etapa de grabación.
- “Diseñar texturas analógicas aunque sean digitales”
Tatsuro también construyó un entorno de grabación de alta calidad en casa, Logrando una fusión única de producción propia + digital + sonido en vivo.
7. Década de 2010: era de remasterización y “renacimiento del sonido”
A lo largo de la década de 2020, se han remasterizado muchas obras de la era analógica.
Incluso en la remasterización, Tatsuro ha dejado claro que no le gusta cambiar el sonido.
▼ Funciones remasterizadas
- Reproduce fielmente la cinta original.
- Sin ecualización extrema
- No aumentar la presión sonora de forma poco natural (rechazar la guerra de sonoridad)
- Transmitir la intención original tal cual.
Como resultado, las recientes reediciones analógicas han recibido grandes elogios en todo el mundo.
8. Década de 2020: últimos trabajos: la era del retorno analógico
Hoy en día, la demanda de discos analógicos vuelve a aumentar. Tatsuro mantiene la siguiente actitud en medio de la era digital:
- La grabación es principalmente digital.
- Pero céntrate en el lanzamiento analógico.
- La mezcla conserva una sensación analógica.
- Evite la presión sonora excesiva
- Mantiene la redondez del rango alto y el espesor del rango medio
En particular, su último trabajo tiene un sonido que es una fusión de alto nivel de “redondez analógica” y “contenido de información digital”.
9. Cronología: Flujo de transición de lo analógico a lo digital
10. Comparación técnica de sonidos analógicos y digitales.
– Diferencias en acústica basadas en las obras de Tatsuro
| Artículo | Período analógico (~1980) | Período digital (década de 1990 ~) |
|---|---|---|
| Medios de grabación | Cinta (2 pulgadas) | PCM/ProTools |
| Impresión sonora | Cálido, grueso, redondo | Claro, nítido |
| Coro | Cuanto más capas, más se unen | Tiende a volverse rígido cuando se coloca en capas |
| Baterías | Gama baja gruesa y natural | Aumento rápido |
| Ruido | Pequeña cantidad de cinta silba | Casi cero |
| Evaluación de Tatsuro | “Está cerca de la forma ideal de música” | “Depende de cómo lo uses” |
11. Pop urbano y cultura discográfica: ¿Por qué el sonido de la era analógica es “especial”?
La razón por la que las obras maestras de Tatsuro Yamashita fueron reevaluadas en todo el mundo como pop urbano fue la siguiente. No es sólo el encanto de las canciones, sino también la textura de la grabación analógica y la cultura de estudio japonesa de los años 80.
punto:
- Compatibilidad de batería en vivo y grabación analógica.
- Toque avanzado con músicos manuales (Tatsuo Hayashi, Hironori Ito, Jun Aoyama, etc.)
- Diseño acústico de grandes estudios (Shinanomachi, Victor, On Air, etc.)
- Rico rango medio-bajo con consola NEVE
- Cultivo de reverberación de placas EMT.
Estas “condiciones específicas de tiempo” hacen que el pop urbano analógico suene único.
12. Conclusión:
El sonido de Tatsuro Yamashita no es “analógico versus digital”
La coherencia en la “filosofía de grabación” lo es todo
A lo largo de sus 50 años de carrera, el sonido de Tatsuro se puede resumir de la siguiente manera:
-
Era analógica: Al dominar los límites de los materiales y equipos, hemos logrado lo último en “sensación de temperatura”
-
Después de la migración digital: Continuó manteniendo una sensación analógica mientras aceptaba la evolución de la tecnología
-
Era remasterizada: Hemos mantenido una postura de reproducir fielmente el sonido original en lugar de reescribir la historia
En otras palabras, **Incluso si los medios y el equipo cambian, la esencia del sonido de Tatsuro Yamashita sigue siendo la misma. **
Se dice que “la tecnología de grabación es la música misma”, Esto es un reflejo de las creencias que ha mantenido desde el comienzo de su carrera.
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