소개 : 음악이 어디에서 깨지는지
문장：mmr｜테마：노이즈와 도발에 의해 음악의 정의를 해체해, 산업 사회의 소리를 예술로 전환한 혁신의 기록
1970년대 중반, 록은 이미 성숙했고, 팝 음악은 산업으로 완성되고 있었다. 한편, “음악이란 무엇인가”라는 근본적인 질문은 거의 누구에게도 의심되지 않고 고정되어 있었다.
그 전제를 정면에서 파괴한 것이 Throbbing Gristle이다.
그들의 소리는 선율을 거부하고 리듬을 왜곡하며 구조를 붕괴시킵니다. 그것은 단순히 실험적이었다. 오히려 “기존 음악 형식 자체가 얼마나 한정적인가”를 드러내려는 시도였다.
그들은 음악을 만든 것이 아니다. 음악 밖을 노출시킨 것이다.
당시 청중에게는 충격이라기보다 거절에 가까운 체험이었다. 그러나 그 거절 중에야말로 새로운 음악의 가능성이 숨어 있었다.
음악이 망가지는 것으로밖에 보이지 않는 영역이 있다.
전사 : 신체, 사회, 금기를 다루는 예술
Throbbing Gristle의 본질을 이해하기 위해서는 그 전신인 COUM Transmissions의 활동을 피해서 다닐 수 없다.
1960년대 후반, Genesis P-Orridge와 Cosey Fanni Tutti는 기존 예술이 다루지 않는 영역—성, 폭력, 신체, 일탈—을 주제로 퍼포먼스를 하고 있었다.
그들의 작품은 종종 불편했고 사회적으로 받아들이기 어려웠다. 그러나 그것은 단순한 도발이 아니라 ‘사회가 보지 않게 하고 있는 것’을 노출시키는 행위였다.
1976년, 런던의 Institute of Contemporary Arts에서 개최된 「Prostitution」은, 그 상징적인 사건이다. 이 전시는 영국 의회에서 논의될 정도의 소동이 되었고, 그들은 ‘문명의 파괴자’로 비난되었다.
하지만 중요한 것은 여기에서 이미 그들이 ‘표현의 한계’에 도전하고 있었다는 점이다. 음악은 나중에 선택된 미디어에 불과하다.
COUM은 소리가 아닌 신체를 사용해 사회에 충돌하고 있었다. Throbbing Gristle은 그것을 소리로 변환 한 존재였습니다.
그들의 출발점은 음악이 아니라 사회 그 자체였다.
결성 : 밴드가 아닌 시스템으로서의 존재
1975년, Throbbing Gristle이 결성된다. 회원은 Genesis P-Orridge, Cosey Fanni Tutti, Chris Carter, Peter Christopherson.
이 4명의 조직은 매우 중요하다. 왜냐하면 그들은 단순한 뮤지션이 아니라 각각 다른 영역을 들여온 집합체였기 때문이다.
Carter는 전자기기의 설계와 음향처리를 담당하고, Christopherson은 영상과 디자인을 담당하고, P-Orridge와 Tutti는 컨셉과 퍼포먼스를 담당했다.
즉 그들은 ‘밴드’가 아니라 ‘미디어 횡단적인 시스템’이었다.
이들이 내건 ‘Industrial Music for Industrial People’이라는 문구는 단순한 장르명이 아니다. 그것은 사회구조에 대한 비평이자 동시에 자신의 음악의 기능을 나타내는 선언이었다.
산업화된 사회 속에서 인간은 어떻게 관리되고 소비되고 규격화되어 가는가. 그 과정을 소리로 재현한다. 그것이 그들의 목적이었습니다.
그들은 음악을 연주하는 것이 아니라 사회 구조를 재생했습니다.
Industrial Records: DIY와 유통의 혁명
Throbbing Gristle은 1976년에 Industrial Records를 설립한다.
이 결정은 매우 중요했습니다. 당시의 메이저 라벨에서는 그들의 작품은 상업적으로도 윤리적으로도 받아들일 수 없었기 때문이다.
그들은 녹음, 제작, 유통, 판매의 모든 것을 스스로 관리했다. 이 완전한 자율성은 나중에 인디펜던트 장면의 기본 모델이됩니다.
Industrial Records는 단순한 라벨이 아니라 사상의 확장장치였다. 음악뿐만 아니라 비주얼, 문장, 로고, 패키지에 이르기까지 모든 것이 통일 된 컨셉으로 설계되었습니다.
또 이 라벨을 통해 다른 아티스트에도 영향이 퍼져 나간다. 인더스트리얼이라는 개념은 여기에서 구체적인 운동으로 확장해 갔다.
독립이란 자유가 아니라 책임을 맡는 것이었다.
사운드 구조 : 음악 외부를 소재로 만듭니다.
Throbbing Gristle의 사운드는 기존의 음악 이론으로는 파악할 수 없다.
그들은 악기의 연주를 중심으로 멈추지 않았다. 대신, 신디사이저, 자작 회로, 테이프 조작, 피드백, 라디오 노이즈 등을 사용하였다.
중요한 것은 이것이 단순한 효과가 아니라 “소리 자체”로 취급된다는 것입니다.
‘The Second Annual Report’는 그 상징적인 작품이다. 이 앨범은 라이브 녹음과 단편적인 소리의 집합으로 구성되어 기존의 ‘곡’이라는 개념을 해체하고 있다.
또한 ‘20 Jazz Funk Greats’에서는 의도적으로 팝적인 구조를 도입하면서 그 내부에 불온함을 묻는다는 수법이 취해졌다.
이것은 매우 전략적인 전환이었다. 완전한 노이즈가 아니라, 「이해할 수 있을 것 같고 이해할 수 없는 음악」을 제시하는 것으로, 보다 넓은 층에 불안을 침투시킨 것이다.
음악은 이해되기 보다는 흔들리기 위해 존재했다.
라이브 : 감각의 한계를 시험하는 공간
Throbbing Gristle의 라이브는 기존 콘서트와는 근본적으로 다른 경험이었다.
소리는 대음량으로 반복되고, 영상은 불안을 부추겨, 말은 도발적으로 발해진다. 관객은 ‘즐긴다’는 허락받지 않고 오히려 견딜 것을 강요받는다.
이것은 우연이 아니다. 그들은 의도적으로 관객의 감각과 심리의 한계를 시도했다.
또한, 라이브는 매회 다른 구성을 갖고, 즉흥성이 강하고, 재현성이 낮았다. 즉, 작품으로 고정되는 것을 거부하고 있었던 것이다.
이 접근법은 나중에 노이즈, 산업 및 클럽 문화의 라이브 경험에도 영향을 미칩니다.
라이브는 재현이 아니고, 사건 그 자체였다.
사회와의 충돌 : 검열과 오해
Throbbing Gristle은 그 과격한 표현 때문에 항상 비판과 검열의 대상이되었습니다.
그들의 작품은 폭력과 금기를 다루는 것으로 종종 오해되어 ‘위험한 존재’로 취급되었습니다. 그러나 그들의 의도는 그들을 긍정하는 것이 아니라 사회의 암부를 가시화하는 데 있었다.
이 점에서 그들은 미디어 비평의 선구자이기도 했다. 정보가 어떻게 조작되고 소비되는지를 소리와 영상으로 제시하고 있었던 것이다.
그들은 사회의 거울이자 동시에 왜곡을 증폭시키는 렌즈였다.
영향: 장르가 아닌 조건 만들기
Throbbing Gristle의 영향은 특정 장르에 국한되지 않습니다.
Cabaret Voltaire와 SPK 같은 동시대 아티스트 외에도 나중 Nine Inch Nails, Ministry 등에 직접적인 영향을 미쳤다.
또한 테크노, 노이즈, 앰비언트, 현대 미술, 심지어 클럽 문화에 이르기까지 그 영향은 퍼져 나간다.
그들이 남긴 것은 스타일이 아니라 ‘어떻게 음악을 만드는가’라는 조건 그 자체였다.
그들은 장르가 아니라 생각의 틀을 남겼다.
해산과 분기 : 끝이 낳는 확장
1981년, Throbbing Gristle는 해산한다.
그러나 이후 Psychic TV, Coil 등 멤버들은 각각 새로운 프로젝트로 이행한다.
이러한 활동은 Throbbing Gristle에서 확립된 기법을 더욱 심화시키는 것이었다.
2004년에는 재결성도 진행되어 과거 작품이 재평가됨과 동시에 새로운 세대에 대한 영향이 다시 확대되었다.
해산은 끝이 아니라 분산에 의한 확장이었다.
연표: Throbbing Gristle의 역사
결론 : 음악을 파괴 한 사람 만 본 것
Throbbing Gristle은 음악을 확장한 것이 아닙니다. 음악을 한 번 완전히 끊었다.
그 결과로 나타난 것이 인더스트리얼이라는 장르이며, 심지어 현대의 전자음악 전체에 통하는 사고였다.
그들의 작품은 지금도 듣기 쉬운 것이 아니다. 그러나 그 위화감이야말로 우리가 음악에 무엇을 요구하고 있는지를 묻는다.
음악은 안락할 필요가 없다. 아름다운 필요도 없다.
다만 현실과 어떻게 관련되는가. 그 질문만이 남는다.
그들은 음악의 끝을 제시하고 그 끝을 열었다.
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