【コラム】山下達郎：アナログの美学とデジタル移行後の音の変化

Column en 70s 80s Citypop

24 Nov 2025

制作環境・機材・録音手法・スタジオ文化・媒体仕様

文：mmr｜テーマ：シティポップ時代から最新作まで、「録音の人」が貫いたサウンド哲学について

日本のポップミュージック史において、山下達郎はボーカリスト・作曲家であると同時に、日本屈指の「録音作者」である。
彼のアルバムを貫いているものは、時代によって変化する流行や音楽ジャンル以上に、録音技術、媒体、音響思想である。

特に、

Thorough sound creation in the analog tape era
デジタル録音／デジタル機器導入後の慎重な変化と選択
シティポップ時代のスタジオ文化との関係
近年のリマスターにおける哲学の一貫性

これらの変遷は、単なる音質の違いではなく、日本のポピュラー録音史そのものを映し出している。

1. 1970s: The golden age of analog tape and the foundation of Tatsuro Yamashita

■ シュガー・ベイブ（1973–1976）

Tatsuro Yamashita’s musical outlook was formed in the rock/pop analog recording culture of this period.

録音媒体：アナログ・マルチトラック・テープ（2インチ、主に16〜24tr）
スタジオ：日本の黎明期スタジオ（ビクター、日音、CBSソニーなど）
Musical background: Deep commitment to American recording culture such as Brian Wilson, Phil Spector, Stax, etc.

この時代、達郎はすでに「録音技術こそが音楽の根幹」という思想を固めていたと語っている。

■ Sound characteristics of “SONGS” (1975)

Self-chorus overdubbing
ドラムのデッドなルームサウンド
Live recording of horns/strings
Analog-specific thick mid-low range

アナログ特性に最適化されたアレンジと録音が、既にここから始まっていた。

2. 1970年代後半：ソロ初期と「アナログ・レイヤー」の完成形

■ “SPACY” (1977), “GO AHEAD!” (1978)

この時期は、達郎がアナログ24トラック録音を使い倒した時代である。

特徴：

テープによる温度感のあるコンプレッション
手弾きの多重録音（ギター、キーボード、パーカッション）
Dozens of overdubbing vocals

達郎は後年、「アナログは重ねるほどニュアンスが丸く収まる」と語っており、この頃の作品はその理想形である。

3. 1980–1982年：『RIDE ON TIME』『FOR YOU』

■ シティポップ時代の録音技術の頂点

1980年代初頭、日本のスタジオ技術は世界的にも高い水準に到達していた。
その中心にあったのが CBSソニー信濃町スタジオ。

▼ Analog recording peak

使用機材：Studer A80/A800 24tr、NEVEコンソール
Rhythm: Live drums + analog recording
ギター：コンプレッサーを通した温かいトーン
Chorus: “Dense layering” unique to analog
Reverb: EMT 140 plate with Lexicon pre-delay

The sound from this time is often referred to as the ““ideal form of city pop.’’

■ 『FOR YOU』（1982）の録音美学

This work is said to be one of the top of Tatsuro’s works. 音響的特徴：

アナログ録音の最高峰レベルのクリアさ
The “thickness” of analog drum recordings
コーラスの密度と定位の完璧な構築
The treble side is rounded and feels like an analog ear.

すべてアナログでありながら、モダンな解像度を持った稀有な作品。

4. Late 1980s: Digital adoption period and cautious transition

CD was released in Japan in 1982. In the late 1980s, digital recording equipment (PCM, digital multi, digital reverb) began to spread rapidly.

だが、山下達郎は デジタル化にもっとも慎重だったアーティストの一人である。

■ デジタルの初導入

達郎が本格的にデジタル機材を使用しはじめたのは、

Introduced digital synths (DX7, etc.)
デジタルリバーブ（Lexicon 224/480）は限定使用
録音そのものは「アナログ・テープ」を強く保持

Specifically, I avoided digital recording itself for the following reasons:

デジタル録音初期は高域が硬く、奥行きが失われやすい
I hated losing the “roundness” of analog over-recording.
Analog was better for building my own chorus.

In fact, Tatsuro says, ““The era when analog 24 tracks became obsolete was a crisis for music.’’

5. 1990s: Entering the digital recording era and new approaches

1990年代に入り、業界は完全にデジタルへ移行する。

▼ Although Tatsuro transitioned to digital recording, he did not change his basic stance.

デジタル録音採用
However, increased processing to maintain analog texture
楽器の録音は依然として生音を多用
Continued chorus recording method

■ “ARTISAN” (1991)

本格的なデジタル録音時代の代表作
高解像度、クリアな中高域
デジタル機材を使用しつつ、アナログ時代のコーラス技法を維持
サウンドはシャープだが冷たくない

達郎は「デジタルでも、録り方次第で温度感は出せる」と語っている。

6. 2000年代：デジタル制作成熟期と“アナログ的デジタル”の確立

■ 2000年代の録音哲学

Production environment is completely digital
However, focus on microphone selection and room sound during the recording stage.
「デジタルであってもアナログ質感を設計する」

Tatsuro also built a high-quality recording environment at home, セルフ・プロデュース＋デジタル＋生音という独自の融合を達成する。

7. 2010s: Remaster era and “sound revival”

Throughout the 2020s, many analog era works have been remastered.

達郎はリマスターにおいても、音の改変を極端に嫌うスタンスを明確にしている。

▼ リマスターの特徴

Faithfully reproduces the original tape
極端なEQは一切せず
Do not raise sound pressure unnaturally (reject loudness war)
オリジナルの意図をそのまま伝える

結果として、近年のアナログ再発は世界的にも高評価を受けている。

8. 2020s: Latest works - era of analog return

Nowadays, the demand for analog records is increasing again. 達郎は、デジタル全盛の中で次のような姿勢を貫く：

Recording is mainly digital
But focus on analog release
ミックスはアナログ的な質感を残す
Avoid excessive sound pressure
Maintains roundness of high range and thickness of midrange

In particular, his latest work has a sound that is a high-level fusion of “analog roundness” and “digital information content”.

9. 年表：アナログ〜デジタル移行の流れ

timeline title 山下達郎：録音技術の変遷 1973 : シュガー・ベイブ活動開始（完全アナログ時代） 1977 : 『SPACY』アナログ24tr多重録音の深化 1980 : 『RIDE ON TIME』 1982 : 『FOR YOU』アナログ録音の最高峰 1985 : デジタル機材部分導入（リバーブ等） 1991 : 『ARTISAN』デジタル録音本格化 2000 : 自宅制作環境デジタル化 2010 : リマスター時代、音圧戦争に抗う 2020 : アナログ回帰・高品質再発

10. アナログ音とデジタル音の技術的比較

――達郎作品を基準に見る音響の違い

項目	アナログ期（〜1980年代）	デジタル期（1990年代〜）
Recording media	Tape (2 inches)	PCM/ProTools
音の印象	温かい、厚い、丸い	クリア、シャープ
Chorus	The more you layer, the more it becomes	It tends to become stiff when layered
ドラム	低域が太く自然	立ち上がりが速い
ノイズ	少量のテープヒス	ほぼゼロ
達郎の評価	「音楽の理想形に近い」	「使い方次第」

11. City pop and recording culture: Why is the sound of the analog era “special”?

The reason why Tatsuro Yamashita’s masterpieces were reevaluated worldwide as city pop was as follows. It”s not just the charm of the songs, but also the texture of analog recording and Japan”s 1980s studio culture.

ポイント：

生ドラムとアナログ録音の相性
Advanced playing by hand musicians (Tatsuo Hayashi, Hironori Ito, Jun Aoyama, etc.)
大型スタジオの音響設計（信濃町、ビクター、オンエアなど）
Rich mid-low range with NEVE console
EMTプレートの残響文化

これら“時代に固有の条件”が、アナログ・シティポップの音を唯一無二にしている。