[專欄] 直接傳達情感和思想的弦——來自世界各地和日本的吉他手

Column zh-hant Jazz Noise Post Rock Rock

18 Oct 2025

序言：吉他，“身體錄音裝置”

文：mmr｜主題：從時代、流派、技術、哲學的角度解釋世界和日本的頂尖吉他手

吉他不僅僅是一種樂器；它也是一種樂器。在20世紀以來的音樂史上，它一直充當著身體的延伸，直接傳達情感和思想。當你的手指接觸琴弦的那一刻，手指的振動就會產生聲音，並通過放大器和效果器傳到世界各地。吉他發出的音色就像一面鏡子，可以反映出一個人的情緒、心理狀態，甚至文化背景。

日本和世界各地的吉他手形像有所不同。在美國和英國，藍調和搖滾已成為基礎，該流派已發展成為主流。然而，日本經歷了更加複雜和自由的發展，從戰後的電子熱潮到地下噪音、即興創作和後搖滾。日本吉他的獨特性體現在主流技術與地下破壞性表達的交匯處。

二.世界版：吉他開始革命的那一刻

1. 搖滾的爆發點（1950-60年代）

查克·貝里通過節奏吉他和樂句的融合建立了搖滾樂的支柱。右手的切奏構成了舞曲的基礎，而左手的樂句雖然源自布魯斯，卻畫出了獨特的旋律。貝里的音樂表明電吉他可以成為青春叛逆和自由的象徵。

吉米·亨德里克斯爆發了電吉他的潛力。他充分利用反饋、哇音踏板、移相器等效果器，讓吉他聽起來像“聲音”。在他的現場表演中，他將即興創作和顛覆性的表達結合起來，將吉他從單純的伴奏樂器轉變為主要的表達工具。

Lou Reed（地下絲絨樂隊）使用簡單的和弦進行和不和諧音為他的音樂帶來了藝術顛覆性。它很流行，但又具有挑釁性，並且蘊含著一種地下精神。

2. 實驗性和叛逆的吉他風格（1970年代-80年代）

羅伯特·弗里普 (King Crimson) 使用複雜的節奏和即興創作的層次，建立了前衛搖滾的創新方法。

Thurston Moore 和 Lee Ranaldo（音速青年） 使用專門調音和準備的吉他，積極地將偶然性融入到他們的作品中。他利用噪音作為表達手段，表明吉他不僅是描繪旋律和和弦的工具，也是描繪空間和情感的工具。

格倫·布蘭卡組建了一支吉他管弦樂隊，可以表達城市聲學效果。由多名吉他手創造的和聲與噪音的分層結構對後來的鞋注和噪音搖滾產生了重大影響。

Fred Frith 強調即興創作中的偶然性，並最大限度地發揮吉他的物理可能性。通過以各種方式操縱撥片、琴弦和琴身，他創造了超越傳統技術的表現方式。

3. 沉默與咆哮之間（1990年代-2000年代）

凱文·希爾茲（《我的血腥情人節》）是使用咆哮牆進行盯鞋的代表。他創造了一種新的風格，通過反饋和調製將聲音空間化，並通過聲音的“質感”表達情感。

David Pajo (Slint/Papa M) 是構造沉默的後搖滾先鋒。細膩的琶音與節奏的結合，營造出靜與動的對比，營造出一個敘事性的聲音世界。

吉姆·奧羅克融合實驗聲音和旋律，開發出跨流派的吉他作品。這使得聲學和歌唱精神的雙重實現成為可能。

祝你好運！黑皇帝將吉他視為史詩的工具，用長歌描繪城市和社會風景。

4. 現代跨境者（2010-2020年代）

Mary Halvorson 融合了爵士即興創作和抽象表達，用吉他將不可能變為可能。他是現代爵士樂和前衛音樂之間的橋樑。

萊利·沃克將布魯斯、爵士樂和搖滾融合在一起，引入現代民謠的精神變體。吉他是講故事的工具，也是情感複雜性的一面鏡子。

伊夫腫瘤穿越噪音、流行音樂和身體表達。吉他被視為聲音或音效，並成為超越樂器框架的表達媒介。

Ichika Nito / Yvette Young 是 SNS 一代的技術專家。憑藉複雜的多節奏、敲擊和和聲構建，他徹底改變了數字時代的吉他技術。

三．日本：沉默而咆哮的吉他手的歷史

1. 戰後和電氣技術的黎明（1950年代-1970年代）

寺內武引領了戰後日本的電力熱潮。他用技術性和娛樂性的表演向年輕人傳達了吉他的魅力。

Char將布魯斯翻譯成日語，並擴展了日本音樂文化中的吉他表達方式。他獨特的旋律和技巧為他贏得了國內外的讚譽。

高中正義融合融合與熱帶醇厚，賦予日本吉他音樂獨特的色彩。它的特點是技術與情感的融合。

2. 地下運動（1970年代-80年代）

水穀隆（裸身集會）以其頹廢的吉他噪音和迷幻的表演對日本噪音/地下音樂界產生了巨大影響。

山本精一（Boredoms / Omoide Hatoba）：

無聊期：節奏與破壞的儀式表演。噪音、即興創作和迷幻的融合。
獨奏~思出鳩羽時期：內省的旋律和迷幻的表達。實現歌唱精神與噪音的共存。
他體現了日本搖滾中隱藏的無意識表達，他對後來的吉他手的影響是不可估量的。

灰野敬二：

終極物理吉他手：同時操控吉他、聲音和身體，通過即興創作創造終極聲音世界。
技巧：融合了撥、滑、拉弓、共鳴物操控、低聲喊叫、怪聲、吹口哨等所有身體表現。
意識形態：音樂是身體的延伸，吉他是情感和精神的一面鏡子。將破壞性的語氣昇華為一種情感表達。
代表作品：
- “來自日本的即興音樂現場”系列：極限即興表演記錄
- MERZBOW 現場表演：噪音與肢體表達之間的對話
- 與山本精一的合作：即興創作，內省與破壞交織在一起
實時功能：
- 持續數小時的長篇即興創作
- 全身演奏（琴弦、身體、聲音）
- 這是一種體驗式表演，不僅吸引聽覺，還吸引空間和身體感覺。
影響力：在整個日本地下樂壇留下了巨大的足跡，成為後來的吉他手和實驗音樂家的精神標杆。

MERZBOW（秋田雅美）追求噪音的純粹形式。他使用吉他和電子設備，發展出極端的表現力。

3.後搖滾和抒情建築（1990年代-2000年代）

MONO 是一支後搖樂隊，用吉他描繪光明和祈禱。它的特點是歌曲結構長、琶音抒情。

腳趾探索吉他作為一種節奏結構。平衡數學精度和情感表達。

envy 通過將熱情的硬核與抒情的吉他作品融合在一起，建立了獨特的情感表達。

鮑里斯因其咆哮的聲音和各種流派的融合而贏得了國際讚譽。

Zeni Geva 融合金屬和噪音，創造出破壞性的即興表達。

4.新一代孤（2010-2020s）

Ichika Nito 是一位來自 SNS 一代的熟練藝術家，充分利用多節奏、敲擊和和聲構建。通過 YouTube 向全世界傳播。

青葉市子用原聲吉他來表達夢幻般的民間故事。

旅人七尾融合吉他和歌詞，發展現代詩意的音樂表達方式。

山本精一之後的影響：一位年輕的吉他手出現，繼承了內向、即興、地下的表達方式。

四．重新定義吉他：裝置、琴體、祈禱

吉他不僅僅是一種樂器，更是一種自我表達的工具。

踏板哲學：聲音創造=自我設計。每個踏板都成為演奏者個性的延伸。
循環/故障/DAW：擴展“手指記憶”。單個演奏者可以演奏管弦樂表演。
山本精一 x Jim O’Rourke：架起京都地下與世界的橋樑。影響了國內外的即興和實驗音樂。

灰野敬二將吉他視為身體和心靈的延伸，是一種用極致的聲音震撼聽者感官的存在。即興、破壞、表達三位一體成為日本地下吉他史上的一個重要坐標。

五、結語：餘音繞樑，不絕於耳

吉他一直是自由表達的象徵，從地下到世界。 “表演者的溫度和思想”比技術更重要的時代已經到來。

吉他弦的顫動在各個世紀中持續產生共鳴。

年表（1950-2020）

flowchart TD subgraph 世界 A1950["Chuck Berry 1950s"] A1960["Jimi Hendrix 1960s"] A1970["Sonic Youth 1970s-80s"] A1980["Kevin Shields 1990s"] A1990["Ichika Nito 2010s"] end subgraph 日本 J1950["寺内タケシ 1950s"] J1960["Char 1970s"] J1970["山本精一 / 灰野敬二 1980s-90s"] J1980["MONO / toe 2000s"] J1990["Ichika Nito / 青葉市子 2010s"] end A1950 --> A1960 --> A1970 --> A1980 --> A1990 J1950 --> J1960 --> J1970 --> J1980 --> J1990

唱片目錄

藝術家	代表作品	友情鏈接
山本精一	“咖啡館大腦”	亞馬遜
灰野敬二	“渡志岳？”	亞馬遜
鮑里斯	“Gensho（與 Merzbow）”	亞馬遜
單聲道	《不朽之風讚歌》	亞馬遜
凱文·希爾茲 / 我的血腥情人節	《無愛》	亞馬遜
音速青年	《白日夢國度》	亞馬遜
查克·貝里	“偉大的二十八人”	亞馬遜
夏爾（竹中直人）	“煙”	亞馬遜
寺內武	“關於電吉他的一切”	亞馬遜
青葉市子	“0（零）”	亞馬遜
腳趾	『關於我關於模糊焦慮的閒散情節的書』	亞馬遜
伊薇特·楊 / Covet	“特藝彩色”	亞馬遜
弗雷德·弗里斯	“吉他獨奏”	亞馬遜