[칼럼] 야마시타 타츠로: 아날로그 미학과 디지털 전환 후 사운드의 변화

Column ko 70s 80s Citypop

24 Nov 2025

[칼럼] 야마시타 타츠로: 아날로그 미학과 디지털 전환 후 사운드의 변화

제작환경, 장비, 녹음방식, 스튜디오 문화, 미디어 사양

글 : mmr｜주제 : 시티팝 시대부터 최신작까지, ‘녹음하는 사람들’에 따른 사운드 철학에 대해

일본 대중음악사에서 야마시타 타츠로는 성악가이자 작곡가일 뿐만 아니라 일본을 대표하는 ‘녹음작가’ 중 한 명이다. 시대에 따라 변하는 트렌드나 음악 장르보다 그의 앨범을 관통하는 것은 녹음 기술과 매체, 음향 철학이다.

특히,

아날로그 테이프 시대의 철저한 사운드 생성
디지털 녹음/디지털 장비 도입 후 세심한 변화와 선택
시티팝 시대 스튜디오 문화와의 관계
최근 리마스터의 철학 일관성

이러한 변화는 단순히 음질의 차이가 아니라 일본 자체의 대중 녹음 역사를 반영합니다.

1. 1970년대: 아날로그 테이프의 황금기와 야마시타 타츠로의 탄생

■ 슈가 베이브(1973~1976)

야마시타 타츠로의 음악적 전망은 이 시기의 록/팝 아날로그 녹음 문화 속에서 형성되었다.

녹음매체 : 아날로그 멀티트랙 테이프(2인치, 주로 16~24tr)
스튜디오 : 초기 일본 스튜디오 (Victor, Nichion, CBS Sony 등)
음악적 배경: Brian Wilson, Phil Spector, Stax 등 미국 음반 문화에 대한 깊은 헌신.

이 기간 동안 Tatsuro는 이미 ‘녹음 기술이 음악의 기초’라는 생각을 확고히 했다고 말했습니다.

■ “SONGS”(1975)의 사운드 특성

셀프 코러스 오버더빙
드럼의 데드 룸 사운드
호른/현악기 라이브 녹음
아날로그 전용 두꺼운 중저역

아날로그 특성에 최적화된 편곡과 녹음은 이미 시작됐다.

2. 1970년대 후반: 솔로 초기와 ‘아날로그 레이어’의 완성형

■ “SPACY”(1977), “GO AHEAD!” (1978)

이 시기는 Tatsuro가 아날로그 24트랙 녹음을 최대한 활용한 시대였습니다.

특징:

테이프를 이용한 온도감각 압축
손 연주 오버더빙(기타, 키보드, 타악기)
수십 개의 오버더빙 보컬

나중에 타츠로 씨는 “아날로그를 겹겹이 쌓을수록 뉘앙스가 더 많이 모이게 된다”고 말했는데, 이때의 작품은 이것의 이상적인 형태이다.

3. 1980-1982: “시간에 맞춰 달려라” “당신을 위해”

■ 시티팝 시대 녹음기술의 정점

1980년대 초 일본 스튜디오 기술은 세계적 수준에 이르렀다. 그 중심에는 CBS 소니 시나노마치 스튜디오가 있었습니다.

▼ 아날로그 녹음 피크

사용장비 : Studer A80/A800 24tr, NEVE 콘솔
리듬: 라이브 드럼 + 아날로그 녹음
기타: 컴프레서를 통한 따뜻한 톤
코러스: 아날로그 특유의 “촘촘한 레이어링”
리버브: Lexicon 프리 딜레이가 포함된 EMT 140 플레이트

이때부터의 사운드는 흔히 ‘시티팝의 이상적인 형태’라고 일컬어진다.

■ “FOR YOU”(1982)의 녹음미학

이 작품은 타츠로의 작품 중 최고라고 알려져 있습니다. 음향 특성:

아날로그 녹음 중 최고 수준의 선명도
아날로그 드럼 녹음의 ‘두께’
완벽한 코러스 밀도와 현지화
고음 부분은 둥글게 처리되어 아날로그 귀 같은 느낌을 줍니다.

완전히 아날로그적이지만 현대적인 해상도를 지닌 보기 드문 작품이다.

4. 1980년대 후반: 디지털 도입 시기와 신중한 전환

1982년 일본에서 CD가 발매되었다. 1980년대 후반, 디지털 녹음장비(PCM, 디지털 멀티, 디지털 리버브)가 급속히 보급되기 시작했습니다.

그러나 야마시타 타츠로는 디지털화에 가장 신중한 아티스트 중 한 명입니다.

■ 디지털 최초 도입

Tatsuro는 본격적으로 디지털 장비를 사용하기 시작했습니다.

디지털 신디사이저(DX7 등) 출시
디지털 리버브의 제한된 사용(Lexicon 224/480)
녹음 자체는 “아날로그 테이프”를 강력하게 유지합니다.

구체적으로 다음과 같은 이유로 디지털 녹음 자체를 피했습니다.

디지털 녹음 초기에는 고주파음이 단단하고 깊이감이 쉽게 상실됩니다.
아날로그 오버레코딩의 “원형성”을 잃는 것이 싫었습니다.
나만의 합창단을 만들려면 아날로그가 더 좋았습니다.

실제로 Tatsuro는 “아날로그 24트랙이 쓸모없게 된 시대는 음악에 있어서 위기였다”고 말합니다.

#5. 1990년대: 디지털 녹음시대의 진입과 새로운 접근

1990년대에는 산업이 완전히 디지털로 전환되었습니다.

▼ Tatsuro는 디지털 녹음으로 전환했지만 기본 입장은 동일했습니다.

디지털 녹음을 채택합니다.
단, 아날로그 질감을 유지하기 위해 처리량을 증가
악기 녹음에는 여전히 라이브 사운드가 많이 사용됩니다.
연속 코러스 녹음 방식

■ “장인”(1991)

본격적인 디지털 녹음 시대의 걸작
고해상도, 선명한 중고음역
아날로그 시대의 코러스 테크닉을 유지하면서 디지털 장비를 활용
소리는 날카로우나 차갑지 않음

Tatsuro 씨는 “디지털 녹음이라도 어떻게 녹음하느냐에 따라 온도감을 낼 수 있다”고 말합니다.

#6. 2000년대: 디지털 프로덕션의 성숙과 ‘아날로그 디지털’의 정착

■ 2000년대 녹음 철학

제작 환경이 완전히 디지털화됨
단, 녹음 단계에서는 마이크 선택과 실내 음향에 집중하세요.
“디지털이라도 아날로그 질감을 디자인하라”

Tatsuro는 집에서도 고품질 녹음 환경을 구축했고, 자체 제작 + 디지털 + 라이브 사운드의 독특한 융합을 실현합니다.

#7. 2010년대: 리마스터 시대 그리고 ‘사운드의 부활’

2020년대에는 아날로그 시대의 많은 작품이 리마스터링되었습니다.

리마스터링에서도 Tatsuro는 사운드 변경을 매우 싫어한다는 점을 분명히 했습니다.

▼ 리마스터링된 기능

원본 테이프를 충실하게 재현
극단적인 EQ 없음
부자연스럽게 음압을 높이지 마세요. (라우드니스 전쟁 거부)
원래 의도를 그대로 전달합니다.

그 결과, 최근 아날로그 재발행은 전 세계적으로 높은 평가를 받았습니다.

8. 2020년대: 최신작 - 아날로그 리턴 시대

요즘 아날로그 음반에 대한 수요가 다시 늘어나고 있습니다. Tatsuro는 디지털 시대에도 다음과 같은 태도를 유지합니다.

녹음은 주로 디지털입니다.
하지만 아날로그 출시에 집중
믹스는 아날로그 느낌을 유지합니다.
과도한 음압을 피하십시오.
고역의 원형도와 중역의 두께를 유지

특히 그의 최근작은 ‘아날로그 원형성’과 ‘디지털 정보콘텐츠’를 고차원적으로 융합한 사운드를 갖고 있다.

9. 연대기: 아날로그에서 디지털로의 전환 흐름

timeline title 山下達郎：録音技術の変遷 1973 : シュガー・ベイブ活動開始（完全アナログ時代） 1977 : 『SPACY』アナログ24tr多重録音の深化 1980 : 『RIDE ON TIME』 1982 : 『FOR YOU』アナログ録音の最高峰 1985 : デジタル機材部分導入（リバーブ等） 1991 : 『ARTISAN』デジタル録音本格化 2000 : 自宅制作環境デジタル化 2010 : リマスター時代、音圧戦争に抗う 2020 : アナログ回帰・高品質再発

10. 아날로그와 디지털 사운드의 기술적 비교

– Tatsuro의 작품을 기반으로 한 음향의 차이

아이템	아날로그시대(~1980년대)	디지털시대(1990년대~)
기록 매체	테이프(2인치)	PCM/ProTools
소리 감상	따뜻하고 두껍고 둥근	명확하고 날카로운
합창	겹칠수록 함께해진다	겹겹이 쌓으면 딱딱해지는 경향이 있음
드럼	두껍고 자연스러운 저역	빠른 상승
소음	소량의 테이프 히스	거의 0
Tatsuro의 평가	“음악의 이상형에 가깝다”	“어떻게 사용하느냐에 따라 다르다”