[Kolumne] Saiten, die Emotionen und Gedanken direkt transportieren – Gitarristen aus aller Welt und Japan
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Prolog: Die Gitarre, ein „Körperaufnahmegerät“
Text: mmr｜Thema: Erläuterung der führenden Gitarristen der Welt und Japans aus der Perspektive von Epoche, Genre, Technik und Philosophie
Die Gitarre ist mehr als nur ein Musikinstrument; In der Musikgeschichte seit dem 20. Jahrhundert fungiert es als Erweiterung des Körpers, die Emotionen und Gedanken direkt transportiert. In dem Moment, in dem Ihre Finger die Saiten berühren, wird der Klang aus den Vibrationen Ihrer Finger erzeugt und gelangt über Verstärker und Effektgeräte in die Welt. Der von einer Gitarre erzeugte Ton wirkt wie ein Spiegel und spiegelt die Emotionen, den Geisteszustand und sogar den kulturellen Hintergrund einer Person wider.
Das Bild eines Gitarristen ist in Japan und auf der Welt unterschiedlich. In den Vereinigten Staaten und im Vereinigten Königreich sind Blues und Rock zur Grundlage geworden und das Genre hat sich zu einem Mainstream-Genre entwickelt. Japan hat jedoch eine komplexere und frei fließendere Entwicklung erlebt, vom Elektroboom der Nachkriegszeit bis hin zu Underground-Noise, Improvisation und Post-Rock. Die Einzigartigkeit japanischer Gitarren entsteht an der Schnittstelle zwischen Mainstream-Technik und destruktivem Underground-Ausdruck.
II. World Edition: Der Moment, als die Gitarre eine Revolution auslöste
1. Rock-Brennpunkt (1950er-60er)
Chuck Berry bildete durch die Verschmelzung von Rhythmusgitarre und Phrasen das Rückgrat des Rock’n’Roll. Der Schnitt mit der rechten Hand bildet die Grundlage eines Tanzbeats, während die Phrasen mit der linken Hand eine einzigartige Melodie zeichnen, obwohl sie vom Blues abgeleitet sind. Berrys Musik zeigte, dass die E-Gitarre zum Symbol jugendlicher Rebellion und Freiheit werden könnte.
Jimi Hendrix hat das Potenzial der E-Gitarre explodiert. Er nutzte Effekte wie Feedback, Wah-Pedal und Phaser voll aus, um die Gitarre wie eine „Stimme“ klingen zu lassen. In seinen Live-Auftritten verbindet er Improvisation und subversiven Ausdruck und verwandelt die Gitarre vom reinen Begleitinstrument in ein zentrales Ausdrucksmittel.
Lou Reed (The Velvet Underground) nutzt einfache Akkordfolgen und Dissonanzen, um seiner Musik künstlerische Subversivität zu verleihen. Es war Pop, aber dennoch provokant und hatte einen Underground-Geist.
2. Experimenteller und rebellischer Gitarrismus (1970er-80er)
Robert Fripp (King Crimson) etablierte einen innovativen Ansatz für Progressive Rock, indem er komplexe Rhythmen und improvisierte Schichten verwendete.
Thurston Moore & Lee Ranaldo (Sonic Youth) integrieren den Zufall aktiv in ihre Arbeit, indem sie speziell gestimmte und präparierte Gitarren verwenden. Indem er Lärm als Ausdrucksmittel nutzte, zeigte er, dass die Gitarre nicht nur ein Werkzeug zur Darstellung von Melodien und Akkorden, sondern auch von Raum und Emotionen ist.
Glenn Branca hat ein Gitarrenorchester zusammengestellt, das den Ausdruck urbaner Akustik ermöglicht. Die von mehreren Gitarristen erzeugte Schichtstruktur aus Harmonie und Lärm hatte großen Einfluss auf den späteren Shoegaze- und Noise-Rock.
Fred Frith betont die Kontingenz in der Improvisation und maximiert die physischen Möglichkeiten der Gitarre. Indem er Plektrum, Saiten und Korpus auf vielfältige Weise manipulierte, schuf er Ausdrucksformen, die über traditionelle Techniken hinausgingen.
3. Zwischen Stille und Gebrüll (1990er-2000er)
Kevin Shields (My Bloody Valentine) ist ein Vertreter des Shoegaze mit einer tosenden Wand. Er schuf einen neuen Stil, der den Klang durch Rückkopplung und Modulation räumlich gestaltet und Emotionen durch die „Textur“ des Klangs zum Ausdruck bringt.
David Pajo (Slint/Papa M) ist ein Pionier des Post-Rock, der Stille strukturiert. Durch die Kombination zarter Arpeggios und Rhythmen entsteht ein Kontrast zwischen Stille und Bewegung, wodurch eine erzählerische Klangwelt entsteht.
Jim O’Rourke verbindet experimentelle Klänge und Melodien, um eine genreübergreifende Gitarrenarbeit zu entwickeln. Dadurch konnten sowohl Akustik als auch Gesangsgeist erreicht werden.
Gott sei Dank! Black Emperor behandelt die Gitarre als Werkzeug für epische Poesie und malt urbane und soziale Landschaften mit langen Liedern.
4. Moderne Grenzgänger (2010-2020er Jahre)
Mary Halvorson verbindet Jazzimprovisation und abstrakten Ausdruck und macht mit der Gitarre das Unmögliche möglich. Er ist eine Brücke zwischen modernem Jazz und Avantgarde.
Ryley Walker führt spirituelle Variationen des modernen Folk ein und verbindet Blues, Jazz und Rock. Die Gitarre ist ein Vehikel zum Geschichtenerzählen und ein Spiegel emotionaler Komplexität.
Yves Tumor verbindet Lärm, Pop und körperlichen Ausdruck. Die Gitarre wird wie eine Stimme oder ein Klangeffekt behandelt und zu einem Ausdrucksmittel, das über den Rahmen eines Instruments hinausgeht.
Ichika Nito / Yvette Young ist eine technische Expertin aus der SNS-Generation. Mit komplexen Polyrhythmen, Tapping und Harmoniekonstruktionen hat er die Gitarrentechnik im digitalen Zeitalter revolutioniert.
III. Japan: Stille und rauschende Geschichte der Gitarristen
1. Nach dem Krieg und dem Aufkommen der Elektrizität (1950er bis 1970er Jahre)
Takeshi Terauchi führte den Elektroboom im Japan der Nachkriegszeit an. Mit seinen technischen und unterhaltsamen Darbietungen vermittelte er jungen Menschen den Reiz der Gitarre.
Char übersetzt den Blues ins Japanische und erweitert den Gitarrenausdruck in der japanischen Musikkultur. Seine einzigartige Melodie und Technik brachten ihm sowohl im Inland als auch international Anerkennung ein.
Masayoshi Takanaka hat der japanischen Gitarrenmusik durch die Verschmelzung von Fusion und tropischer Sanftheit eine einzigartige Farbe verliehen. Es zeichnet sich durch eine Verschmelzung von Technik und Emotion aus.
2. Untergrundbewegung (1970er-80er)
Takashi Mizutani (Les Rallizes Dénudés) hatte mit seinem dekadenten Gitarrenlärm und seinen psychedelischen Darbietungen großen Einfluss auf die japanische Noise-/Underground-Szene.
Seiichi Yamamoto (Langeweile / Omoide Hatoba):
- Zeit der Langeweile: Rituelle Darbietung von Rhythmus und Zerstörung. Eine Mischung aus Lärm, Improvisation und Psychedelik.
- Solo~Omoide Hatoba-Zeit: Introspektive Melodie und psychedelischer Ausdruck. Die Koexistenz von singendem Geist und Lärm erkennen.
- Er verkörpert den unbewussten Ausdruck, der im japanischen Rock verborgen ist, und sein Einfluss auf spätere Gitarristen ist unermesslich.
Keiji Haino:
- Der ultimative physische Gitarrist: Manipulieren Sie gleichzeitig Gitarre, Stimme und Körper, um durch Improvisation eine extreme Klangwelt zu erschaffen.
- Techniken: Integriert alle körperlichen Ausdrücke wie Zupfen, Schieben, Bogenspielen, Manipulation resonanter Objekte, Bassschreie, seltsame Stimmen, Pfeifen usw.
- Ideologie: Musik ist eine Erweiterung des Körpers und die Gitarre ist ein Spiegel von Emotionen und Geist. Den destruktiven Ton als emotionalen Ausdruck sublimieren.
- Hauptwerke:
- „Live at Improvised Music from Japan“-Reihe: Aufzeichnungen extremer improvisierter Darbietungen
- Live-Performance mit MERZBOW: Dialog zwischen Lärm und körperlichem Ausdruck
- Zusammenarbeit mit Seiichi Yamamoto: Improvisation, bei der Selbstbeobachtung und Zerstörung ineinander greifen
- Live-Funktionen:
- Lange Improvisation über mehrere Stunden
- Auftritt mit dem ganzen Körper (Streicher, Körper, Stimme)
- Erlebnisdarbietung, die nicht nur das Gehör, sondern auch räumliche und körperliche Empfindungen anspricht
- Einfluss: Hinterlässt einen großen Fußabdruck in der gesamten japanischen Underground-Szene und wird zu einem spirituellen Leuchtturm für spätere Gitarristen und experimentelle Musiker.
MERZBOW (Masami Akita) verfolgt die reine Form von Lärm. Mit Gitarren und elektronischem Equipment entwickelt er einen extremen Ausdruck.
3. Post-Rock und lyrische Architektur (1990er-2000er)
MONO ist eine Post-Rock-Band, die Licht und Gebet mit der Gitarre darstellt. Es zeichnet sich durch seine lange Liedstruktur und lyrische Arpeggios aus.
toe erforscht die Gitarre als rhythmische Struktur. Balance zwischen mathematischer Präzision und emotionalem Ausdruck.
envy hat durch die Verbindung von leidenschaftlichem Hardcore mit lyrischer Gitarrenarbeit einen einzigartigen emotionalen Ausdruck geschaffen.
Boris hat internationale Anerkennung für seinen brüllenden Sound und die Verschmelzung verschiedener Genres erlangt.
Zeni Geva verschmilzt Metal und Noise zu destruktiven Improvisationsausdrücken.
4. Die neue Generation der Einzelgänger (2010-2020er Jahre)
Ichika Nito ist eine erfahrene Künstlerin der SNS-Generation, die Polyrhythmik, Klopfen und Harmoniebildung voll ausnutzt. Über YouTube weltweit verbreitet.
Ichiko Aoba nutzt eine Akustikgitarre, um traumhafte Volksmärchen auszudrücken.
Tabito Nanao verbindet Gitarre und Texte, um moderne poetische musikalische Ausdrucksformen zu entwickeln.
Einflüsse nach Seiichi Yamamoto: Ein junger Gitarrist erscheint, der die introvertierten, improvisatorischen und Underground-Ausdrücke geerbt hat.
#IV. Die Gitarre neu definieren: Gerät, Körper, Gebet
Die Gitarre ist nicht nur ein Musikinstrument, sondern ein Mittel zur Selbstdarstellung.
- Pedalboard-Philosophie: Klangerzeugung = Ego-Design. Jedes Pedal wird zu einer Erweiterung der Persönlichkeit des Spielers.
- Loop/Glitch/DAW: Erweiterter „Fingerspeicher“. Ein einzelner Interpret kann einen Orchesterausdruck ausüben.
- Seiichi Yamamoto x Jim O’Rourke: Überbrückung der Welt aus dem Untergrund von Kyoto. Beeinflusste improvisatorische und experimentelle Musik im In- und Ausland.
Keiji Haino betrachtet die Gitarre als eine Erweiterung seines Körpers und Geistes und ist eine Präsenz, die die Sinne des Zuhörers mit den Extremen des Klangs erschüttert. Die Dreifaltigkeit von Improvisation, Zerstörung und Ausdruck wird zu einer wichtigen Koordinate in der Geschichte der japanischen Underground-Gitarre.
V. Fazit: Der anhaltende Klang der Saiten, der nie aufhört zu klingeln
Die Gitarre war schon immer ein Symbol der freien Meinungsäußerung, vom Underground bis zur Welt. Die Ära ist angebrochen, in der „die Temperatur und die Ideologie des Künstlers“ wichtiger sind als die Technik.
Das Zittern der Gitarrensaiten hallt im Laufe der Jahrhunderte wider.
Chronologie (1950-2020)
Diskographie
| Künstler | Repräsentative Werke | Links |
|---|---|---|
| Seiichi Yamamoto | „Cafe Brain“ | Amazon |
| Keiji Haino | „Watashi Dake?“ | Amazon |
| BORIS | „Gensho (mit Merzbow)“ | Amazon |
| MONO | „Hymne an den unsterblichen Wind“ | Amazon |
| Kevin Shields / My Bloody Valentine | „Liebeslos“ | Amazon |
| Sonic Youth | „Daydream Nation“ | Amazon |
| Chuck Berry | „Die großen Achtundzwanzig“ | Amazon |
| Char (Naoto Takenaka) | „Rauch“ | Amazon |
| Takeshi Terauchi | „Alles rund um die E-Gitarre“ | Amazon |
| Ichiko Aoba | „0 (Null)“ | Amazon |
| Zehe | 『das Buch über meine müßige Verschwörung über eine vage Angst』 | Amazon |
| Yvette Young / Covet | „technicolor“ | Amazon |
| Fred Frith | „Gitarrensolos“ | Amazon |
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