소리가 전시로 바뀌는 순간
| 문장 : mmr | 테마 : 음악을 공간으로 계속 변환하는 실천을 일화와 대표작에서 읽는다 |
즉흥 음악가에서 공간 작가로
오토모 요시히로의 경력은 일본의 프리재즈/즉흥 음악의 맥락에서 시작하면서도, 초기 단계에서 그 틀을 일탈해 간다. 그가 손에 들고 있던 것은 기타나 턴테이블이었지만, 그들은 악기라고 하는 것보다 「소리를 공간에 배치하기 위한 장치」로서 기능하고 있었다.
특히 1990년대 Ground Zero에서의 활동은 그 전환점을 상징하고 있다. 방대한 기록과 기존 음원을 단편화하고 재배치하는 방법은 단순한 샘플링이 아니라 ‘소리의 건축’에 가까운 것이었다. 대표작 ‘Consume Red’는 그 극단적인 예이며, 청취자는 악곡을 쫓을 수 없을 정도의 정보량 속에 던져진다.
당시의 라이브에서는, 음량의 과잉이나 노이즈의 밀도에 의해, 관객이 도중 퇴장하는 것도 드물지 않았다고 한다. 그러나 그것은 실패가 아니라 ‘듣기’라는 행위의 한계를 드러내는 의도적인 구조이기도 했다.
음악은 이해되지 않고 공간으로 체험되는 것으로 바뀌었다.
일화 : 소리가 사라진 라이브
사치코 M과의 극한
Sachiko M과의 공동 출연은 오토모 요시히데의 경력 중에서도 특이한 위치를 차지한다. 그녀가 사용하는 사인파 발진기는 거의 변하지 않는 단일 주파수를 지속하는 장치입니다.
한 퍼포먼스에서는 너무 음량이 작아 관객의 대부분이 “아무것도 일어나지 않았다”고 느낀 채 시간이 지났다고 한다. 그러나, 회장의 후방에서는 공조의 진동이나 의자의 소리, 관객의 호흡음이 두드러져 들리기 시작하고 있었다.
이 사건은 종종 말할 수 있는 일화의 하나이며, 「연주가 환경음에 졌다」가 아니라, 「환경 그 자체가 작품으로 전화한」순간으로서 이해되고 있다.
또 다른 공연에서는 관객 중 한 명이 장비 트러블이라고 믿고 스탭에게 항의했다는 이야기도 남아 있다. 하지만 실제로는 그것이 작품의 의도이며, ‘소리가 존재하지 않는 상태’조차도 구성요소로 내장되어 있었다.
무음은 부족하지 않고, 공간을 노출시키는 가장 강한 수단이 된다
설치로서의 소리
전시 공간에 침입
박물관과 갤러리에서 오토모의 공연은 전통적인 음악 라이브와는 결정적으로 다릅니다. 관객은 좌석에 고정되는 것이 아니라 자유롭게 이동하면서 소리를 체험한다.
한 전시회에서는, 복수의 스피커가 공간 내에 점재하고, 관객의 위치에 의해 완전히 다른 음향이 지각되는 구성이 취해졌다. 정면이라는 개념은 존재하지 않고, 어디에 서는지에 따라 작품이 바뀐다.
이 형식은 시각 예술에서 설치의 논리와 일치합니다. 소리는 물체는 아니지만, 공간의 조건을 변화시킴으로써 「전시물」로서 기능한다.
더욱 흥미로운 것은 연주자 자신도 그 공간의 일부로 취급된다는 점이다. 퍼포먼스는 「보는 대상」이 아니라 「공간의 변화의 한 요소」가 된다.
소리는 공간에 침입하여 전시라는 형식 자체를 다시 씁니다.
대표작에서 보는 공간예술의 구체상
과잉과 부족의 왕복 운동
Ground Zero의 ‘Consume Red’는 소리의 과잉성을 극한까지 추진한 작품이다. 한편, ‘Revolutionary Pekinese Opera ver.1.28’에서는 문화적 단편이 충돌하여 의미의 해체가 진행된다.
대조적으로 Sachiko M과의 ‘Filament’나 ‘Sine Wave Solo’에서는 소리가 극한까지 줄어든다. 여기에서는 「무엇이 울리고 있는가」가 아니라, 「어떻게 공간이 변화하는가」가 주제가 된다.
게다가 Otomo Yoshihide’s New Jazz Ensemble의 「Dreams」에서는 대편성에 의한 즉흥이 전개되지만, 그 구조는 개개의 연주가 아니라 전체의 흐름으로서 지각된다.
이처럼 그의 작품은 ‘과잉’과 ‘부족’이라는 양극을 왕복하면서 공간인식을 계속 갱신하고 있다.
소리의 많음과 적음은 대립하지 않고, 둘 다 공간을 생성하는 수단이 된다
영화 음악과 현장성
영상에서 즉흥이 가능합니까?
영화 음악에서도 오토모 요시히데의 자세는 일관되고 있다. 녹음된 소리라도, 그 자리에서 생성되는 감각을 유지하는 것이 중시된다.
영화 ‘Dr. Akagi’에서는 음악이 장면의 감정을 유도하는 것이 아니라 영상과 병렬로 존재함으로써 독자적인 긴장관계를 만들어내고 있다.
한층 더 흥미로운 일화로서 영상에 맞춰 엄밀하게 음악을 동기화시키는 것이 아니라 ‘어긋남’을 굳이 남겨 현장성을 유지했다는 제작 방침이 있다. 이 어긋남은 관객에게 무의식의 위화감을 주어 영상 체험을 보다 입체적인 것으로 한다.
또한, 라이브 상영에 있어서는, 같은 영화라도 매번 다른 소리가 붙는 경우가 있어, 작품은 고정되지 않는다.
영화음악은 완성품이 아니라, 재연될 때마다 갱신되는 구조가 된다
연표: 일화와 대표작의 교차
일화는 단순한 에피소드가 아니라 표현의 본질을 보여줍니다.
그림 : 과도하고 부족한 구조
소리의 극단성은 공간 인식을 흔들어주는 장치입니다.
그림 : 관객을 포함한 공간 구조
관객의 존재 자체가 작품의 구성 요소가된다.
결론 : 음악 밖으로
경계 손실 및 재구성
오토모 요시히데의 활동은 ‘음악이란 무엇인가’라는 질문을 지속적으로 갱신해 왔다. 그 실천은 장르의 확장이 아니라 틀 자체의 재편에 가깝다.
음악은 더 이상 작품으로 완결되는 것이 아니라 공간, 시간, 신체의 교차로로서 존재한다.
그리고 그 중심에 있는 것은 항상 「지금, 여기서 무슨 일이 일어나고 있는가」라는 질문이다.
음악은 듣는 대상이 아니라 장을 생성하는 사건으로 바뀐다
