【칼럼】 Progressive Electronic / Berlin School(프로그레전자/베를린파)
Column ko Experimental Progressive Electronic
서장 전자 음악 역사에서 베를린주의 위치
문장：mmr｜테마：1960년대 후반부터 현재에 이르는 프로그레시브 일렉트로닉 및 베를린파 전자 음악에 대해서
20세기 전자 음악은 학술 연구와 실험 예술의 영역에서 출발했다. 1920~30년대의 전자악기 개발, 전후의 자기 테이프 기술, 1950년대의 뮤지크 콘크레이트와 전자 음악 스튜디오의 성립을 거쳐 1960년대 후반에는 개인 작곡가가 스튜디오 밖에서 전자 음악을 제작할 수 있는 환경이 갖추어지기 시작한다. 이 변화 속에서 서독을 중심으로 성립한 것이 나중에 ‘베를린파’로 총칭되는 일련의 프로그레시브 일렉트로닉 음악이다.
베를린파는 엄밀한 의미에서의 통일운동이나 공식적인 유파가 아니다. 복수의 작곡가가 공통의 도시권, 기술 환경, 음악적 관심을 공유하면서 활동한 결과로서, 후년의 음악사 연구나 비평에 있어서 정리된 호칭이다. 그 중심에는 Tangerine Dream, Klaus Schulze, Ash Ra Tempel(후의 Ashra) 등의 작곡가 프로젝트가 존재한다.
제1장 전사: 실험 전자 음악에서 개인 스튜디오로
전후 전자 음악의 기초
제2차 세계대전 후 독일에서는 쾰른 전자 음악 스튜디오를 중심으로 순전자음에 의한 작곡 연구가 진행되었다. 한편 프랑스에서는 환경음과 구체음을 소재로 하는 뮤지크 콘크레이트가 발전했다. 이 조류는 나중에 전자 음악가에게 “소리 자체를 구축한다”라는 개념을 주었다.
1960년대에 들어가면 모듈러 신디사이저가 등장한다. 전압제어에 의한 음고·음색·리듬의 변화가 가능해져 작곡가는 실시간으로 소리를 조작할 수 있게 되었다. 이 기술적 진전은 장시간 구조와 반복 진행을 특징으로 하는 베를린파의 성립을 지지한다.
자물쇠와 아방가르드 접점
동시기 서독에서는 록과 전위 예술을 융합시키는 움직임이 활발해지고 있었다. 영미의 락에 대항하는 형태로 즉흥성·반복·전자음을 적극적으로 도입하는 그룹이 등장한다. 나중에 ‘크라우트록’이라 불리는 문맥과 베를린파 전자음악은 지리적·인간적으로 겹치면서 발전했다.
제2장 베를린파의 성립
Tangerine Dream
Tangerine Dream은 1967년에 결성되어 초기에는 록 편성과 전위적 즉흥을 조합한 작품을 발표했다. 1970년대 초반이 되면 신디사이저와 시퀀서를 핵심으로 둔 작곡으로 이행한다.
특징적인 것은 반복되는 시퀀스 패턴 위에 음색 변화와 즉흥적 선율을 겹치는 구조이다. 이 방법에 의해, 종래의 곡 형식과는 다른, 시간의 흐름 그 자체를 음악화한 장편 구조가 태어났다.
Klaus Schulze
Klaus Schulze는 Tangerine Dream과 Ash Ra Tempel에 참가한 후 솔로 활동에 전념합니다. 그의 작품은 장기적인 지속음, 완만한 변화, 즉흥성을 특징으로 한다. 리듬이 명확하게 나타나지 않는 경우도 많고, 음색의 추이 그 자체가 구조를 형성한다.
Schulze는 초기부터 개인 스튜디오에서의 제작을 실시해, 다수의 신디사이저와 테이프 기기를 이용한 다층적 녹음을 실천했다. 이 제작 형태는, 나중의 앰비언트나 드론 음악에도 영향을 준다.
Ash Ra Tempel / Ashra
Ash Ra Tempel은 전자음과 기타, 즉흥연주를 융합한 프로젝트로 활동을 시작했다. 후년 Ashra 명의에서는, 보다 전자 음악적이고 구축적인 작품이 제작된다. 반복 시퀀스와 선율 요소의 균형은 베를린주의 다양성을 보여주는 예입니다.
제3장 음악적 특징
시퀀서에 의한 반복 구조
베를린 파를 특징 짓는 가장 큰 요소는 아날로그 시퀀서에 의한 반복음이다. 일정한 패턴이 장시간 지속되고, 필터나 엔벨로프 조작에 의해 서서히 변화한다. 이 방법은 박자감보다 시간 감각을 전면으로 밀어냅니다.
장시간 형식
기존의 팝과 락이 몇 분 단위의 악곡 구조를 기본으로 하는 반면, 베를린파 작품은 한 곡이 20분 이상에 이르는 일도 드물지 않다. 이것은 즉흥 연주와 녹음 기술의 발달에 의해 가능해진 형식이다.
음색 디자인
아날로그 신디사이저의 불안정성과 흔들림은 베를린파의 음향미학의 일부가 되었다. 온도 변화나 전압 변동에 의한 미세한 어긋남이, 기계적 반복에 유기적 표정을 준다.
제4장 전자음악사와의 접속
베를린 파는 학술 전자 음악과 대중 음악의 중간에 위치한다. 엄밀한 이론 작곡이 아니라고 해서 상업적 노래 형식에도 의존하지 않는다. 이 중간적 입장이 후속 장르에 대한 영향력을 높였다.
1970년대 후반 이후 시퀀스 주체의 작곡법은 신디팝, 뉴에이지, 앰비언트로 전개한다. 베를린파의 작곡가 자신도, 영화 음악이나 상업 작품에 활동 영역을 넓혀 간다.
제5장 1980년대 이후의 변화
디지털 신디사이저와 MIDI의 보급으로 제작 환경은 크게 변화한다. 아날로그 기재 특유의 제약이 감소하여 재현성이 향상되었다. 한편, 초기 베를린파에서 발견된 우발성은 감소한다.
이 시대 베를린 파적 기법은 테크노와 트랜스의 원형으로 재해석된다. 반복 비트와 시퀀스의 융합은 댄스 음악 맥락에서 새로운 의미를 갖는다.
제6장 현대에의 계승
21세기에 들어서면 모듈러 신디사이저의 재평가가 진행된다. 소규모 스튜디오와 라이브 즉흥에서 베를린파적 수법이 다시 주목된다. 이것은 노스탤지가 아니라 실시간 생성 음악에 대한 관심의 고조와 연결되어 있다.
7장 기술적 기반의 상세 분석
본 장에서는 베를린파를 성립시킨 구체적 기술 요소를 악기·제어 방식·녹음 기술의 3층으로 나누어 정리한다.
아날로그 모듈러 신디사이저
베를린파의 핵심을 이룬 것은 전압 제어형 아날로그 모듈러 신디사이저이다. 발진기, 필터, 앰프, 엔벨로프를 패치 케이블로 자유롭게 연결하는 구조는 음악적 결과가 사전에 완전히 고정되지 않은 제작 환경을 만들어냈다.
이 비결정성은 베를린 파에서 “시간의 생성”이라는 작곡 개념과 강하게 연결된다. 음고와 리듬은 기보에 의해서가 아니라 전압 변화의 연쇄로서 관리되기 때문에, 음악은 설계도가 아니라 프로세스로서 존재한다.
아날로그 시퀀서
아날로그 시퀀서는 여러 단계의 전압 값을 순환시키는 장치이며 베를린주의 반복 구조를 물리적으로 지원했습니다. 각 단계는 균등하게 시간 배분되지만 전압 값을 설정하면 선율적이고 화성적 인 윤곽이 형성됩니다.
중요한 것은 시퀀스가 ”박자”보다 “순환”을 기준으로한다는 것입니다. 이로 인해 리듬은 춤을 추는 틀이 아니라 청취자의 시간 감각을 확장하기위한 기반이되었습니다.
테이프 녹음 및 다층 구조
초기 베를린 파에서는 멀티트랙 녹음과 테이프 편집이 중요한 역할을 했다. 즉흥 연주를 장시간 기록해, 그 일부를 편집·겹치는 것으로, 선적이 아닌 구조가 구축되었다. 이것은 스튜디오를 작곡 공간으로 취급하는 태도이며, 후의 DAW적 제작 사고의 선행예로 자리매김된다.
제8장 대표적인 작품 구조 분석
이 장에서는 특정 작품명을 열거하는 것이 아니라 확인 가능한 구조 유형으로 분석한다.
단일 시퀀스 배포 유형
일정한 순서가 악곡 전체를 관철해, 음색 변화와 레이어 추가에 의해 전개하는 형식. 시간 경과 그 자체가 구조를 형성하고, 종래의 주제 전개나 전조 개념은 후경화한다.
무박 지속음형
명확한 시퀀스를 사용하지 않고 지속음과 느린 변화를 중심으로 구축되는 형식. Klaus Schulze의 작품군에 눈에 띄었고, 나중의 앰비언트 및 드론 음악의 원형이 되었다.
즉흥 기록 편집형
라이브 또는 스튜디오 즉흥을 소재로 해, 후편집에 의해 구조화되는 형식. 이 방법은 작곡과 연주의 경계를 모호하게 하고 작품을 사건의 기록으로 자리매김한다.
9장 영화 음악과의 연결
1970년대 후반 이후 베를린 작곡가들은 영화 음악 분야로 활동을 확장한다. 장시간 지속음, 반복 진행, 전자음색은 영상의 시간축과 높은 친화성을 가진다.
영화 음악에 있어서 베를린파법은 선율 주도가 아니라 공간 형성을 중시하는 점에 특징이 있다. 음악은 이야기를 설명하는 것이 아니라 심리적·물리적 환경을 구축하는 역할을 담당한다.
이 실천은, 나중의 시네마틱·앰비언트나 사운드 디자인 지향의 전자 음악으로 계승된다.
제10장 Kraftwerk 이전/이후와의 대비
베를린파를 정확하게 이해하기 위해서는 Kraftwerk와의 관계를 연대적으로 정리할 필요가 있다.
Kraftwerk 이전
Kraftwerk 이전의 베를린 파는 즉흥성과 장시간 형식을 중시하고 있었다. 리듬은 유동적이며 악곡은 진행보다 추이로 인식된다. 이 단계에서 전자 음악은 자물쇠에서 벗어나는 수단이었고 학술 전자 음악에서 해방되었습니다.
Kraftwerk 이후
Kraftwerk는 전자 음악을 명확한 리듬 구조와 반복 비트로 재구성했습니다. 이에 따라, 전자 음악은 댄스 가능한 형태로서 국제적으로 수용된다. 한편 베를린파는 비트 중심주의와는 거리를 유지해 시간 확장형 음악으로서 독자 노선을 유지했다.
이 분기는 테크노/신디팝과 앰비언트/드론의 분화로서 추후 전자 음악 지도에 명확한 축을 부여한다.
연표
- 1950년대 학술전자음악 스튜디오의 성립
- 1960년대 모듈러 신디사이저의 보급
- 1967년 Tangerine Dream 결성
- 1970년대 초반 베를린파적 작곡법 확립
- 1970년대 후반 영화 음악 분야로의 전개
- 1980년대 Kraftwerk 이후의 전자 음악 분기
- 2000년대 이후 모듈러 재평가와 즉흥문화 재흥
구조도
결어
베를린파는 전자음악사에서 형식이 아닌 시간감각을 변혁한 운동으로 자리매김한다. 그 영향은 현재도 조용하지만 확실히 확장하고 있습니다.
