![[칼럼] 프로그레시브 일렉트로닉/베를린학교](/../assets/images/column-progressive-electronic-berlin-school.webp)
소개: 전자음악 역사에서 베를린 악파의 위치
글 : mmr │ 주제 : 1960년대 후반부터 현재까지 프로그레시브 일렉트로닉과 베를린학파 일렉트로닉음악
20세기 전자음악은 학문적 연구와 실험적인 예술의 영역에서 시작되었습니다. 1920~30년대 전자악기의 발달, 전후 자기테이프 기술, 1950년대 콘크리트 음악 스튜디오와 전자음악 스튜디오의 설립에 이어 1960년대 후반에는 개인 작곡가들이 스튜디오 밖에서 전자음악을 창작할 수 있는 환경이 조성되기 시작했다. 이러한 변화 속에서 나중에 통칭하여 ‘베를린 악파’로 알려진 일련의 프로그레시브 일렉트로닉 음악이 서독을 중심으로 설립되었습니다.
베를린 학교는 통일된 운동도 아니고 엄밀한 의미의 공식 학교도 아닙니다. 여러 작곡가들이 공통의 수도권 지역에서 활동하고, 기술적인 환경과 음악적 관심이 모아지면서 이후의 음악사 연구와 비평에서 통일된 이름이다. 그 핵심에는 Tangerine Dream, Klaus Schulze, Ash Ra Tempel(이후 Ashra)과 같은 작곡가와 프로젝트가 있습니다.
1장 선사시대: 실험적인 전자음악에서 개인 스튜디오까지
전후 전자음악의 기초
제2차 세계대전 이후 독일에서는 쾰른 전자음악 스튜디오를 중심으로 순수 전자음을 활용한 작곡 연구가 진행됐다. 한편, 프랑스에서는 환경적, 구체적인 소리를 재료로 하는 콘크리트 뮤직(musique concrète)이 개발되었다. 이러한 경향은 이후 전자 음악가들에게 ‘소리 자체를 구성한다’는 개념을 갖게 했습니다.
1960년대에는 모듈러 신디사이저가 등장했습니다. 전압 제어를 통해 음높이, 음색, 리듬을 변경할 수 있게 되었고, 작곡가가 실시간으로 사운드를 조작할 수 있게 되었습니다. 이러한 기술적 진보는 긴 구조와 반복적인 진행을 특징으로 하는 베를린 학교의 설립을 뒷받침했습니다.
록과 아방가르드의 접점
동시에 서독에서는 록과 아방가르드 예술을 융합하려는 움직임이 탄력을 받고 있었다. 영국과 미국의 록에 대응하여 즉흥 연주, 반복, 일렉트로닉 사운드를 적극적으로 도입하는 그룹이 등장했습니다. 나중에 “크라우트록(krautrock)”이라고 불리는 것과 베를린 학파 전자음악의 맥락은 지리적으로나 인간적으로 겹치는 방식으로 발전했습니다.
제2장 베를린학교 설립
귤꿈
Tangerine Dream은 1967년에 결성되었으며, 그들의 초기 작업은 암석 지형과 아방가르드 즉흥 연주를 결합했습니다. 1970년대 초에 그는 신디사이저와 시퀀서를 사용하여 작곡을 시작했습니다.
이 곡의 특징은 반복되는 시퀀스 패턴 위에 음조 변화와 즉흥적인 멜로디가 겹쳐지는 구조입니다. 이 방법은 전통적인 노래 형식과 달리 시간의 흐름 자체를 음악화하는 장편형 구조를 만들어냈다.
클라우스 슐체
클라우스 슐체는 탠저린 드림(Tangerine Dream), 애쉬 라 템펠(Ash Ra Tempel) 활동 이후 솔로 활동에 집중할 예정이다. 그의 작품은 오랫동안 지속되는 음표, 점진적인 변화, 즉흥성이 특징입니다. 많은 경우 리듬이 명확하게 나타나지 않고 음색 자체의 전환이 구조를 형성합니다.
처음부터 Schulze는 개인 스튜디오에서 일하면서 수많은 신디사이저와 테이프 장비를 사용하여 다층 녹음을 연습했습니다. 이 제작 형식은 이후의 주변 음악과 드론 음악에도 영향을 미쳤습니다.
애쉬 라 템펠 / Ashra
Ash Ra Tempel은 일렉트로닉 사운드, 기타, 즉흥 연주를 융합한 프로젝트로 시작되었습니다. 나중에 그는 Ashra라는 이름으로 더 많은 전자 및 건축 작품을 제작했습니다. 반복되는 시퀀스와 멜로디 요소의 균형은 베를린 악파의 다양성을 잘 보여줍니다.
3장 음악적 특징
시퀀서를 사용한 반복 구조
베를린 학파의 가장 특징적인 요소는 아날로그 시퀀서에 의해 만들어지는 반복적인 사운드 패턴입니다. 오랫동안 지속되며 필터 및 엔벨로프 작업을 통해 점차적으로 변경되는 고정 패턴입니다. 이 방식은 박자감보다는 시간감을 강조하는 방식이다.
긴 형식
전통적인 팝과 록 음악은 몇 분 동안 지속되는 노래 구조를 기반으로 하지만, 베를린 학교 음악에서는 한 곡이 20분 이상 연주되는 경우도 드물지 않습니다. 이는 즉흥 연주와 녹음 기술의 발달로 가능해진 형태이다.
톤 디자인
아날로그 신디사이저의 불안정성과 변동은 베를린 학교의 음향 미학의 일부가 되었습니다. 온도 변화와 전압 변동으로 인한 미세한 편차는 기계적인 반복에 유기적인 느낌을 줍니다.
Chapter 4 전자음악 역사와의 연결
베를린 학교는 학술 전자음악과 대중음악 사이에 위치해 있습니다. 이는 엄격하게 이론적인 작곡도 아니고 상업적인 노래 형식에 의존하지도 않습니다. 이 중간 위치는 후속 장르에 대한 영향력을 증가시켰습니다.
1970년대 후반부터 시퀀스 기반의 작곡 기법은 신스팝, 뉴에이지, 앰비언트 등으로 발전했다. 베를린 학교 작곡가들은 영화 음악과 상업 작품을 포함하여 활동을 확장했습니다.
5장 1980년대 이후의 변화
디지털 신디사이저와 MIDI의 확산으로 제작 환경이 크게 변화했습니다. 아날로그 장비 고유의 한계가 줄어들고 재현성이 향상되었습니다. 반면에 초기 베를린학파에서 볼 수 있었던 우발성은 감소되었다.
이 기간 동안 베를린 학파의 방식은 테크노와 트랜스의 원형으로 재해석되었습니다. 반복적인 비트와 시퀀스의 융합은 댄스음악의 맥락에서 새로운 의미를 갖는다.
6장 근대로의 계승
21세기에는 모듈러 신디사이저가 재평가되고 있습니다. 베를린 학교 방식은 소규모 스튜디오와 라이브 즉흥 연주 분야에서 다시 한번 주목을 받고 있습니다. 이는 향수에 의한 것이 아니라 실시간으로 생성되는 음악에 대한 관심이 높아지는 것과 관련이 있습니다.
7장 기술 기반 상세 분석
이 장에서는 베를린 학파를 설립한 특정 기술 요소를 악기, 제어 시스템, 녹음 기술의 세 가지 계층으로 나누어 정리합니다.
아날로그 모듈러 신디사이저
베를린 학교의 핵심은 전압 제어 아날로그 모듈러 신시사이저였습니다. 패치 케이블을 이용해 오실레이터, 필터, 앰프, 엔벨로프 등을 자유롭게 연결하는 구조로 인해 음악적 결과가 미리 완전히 확정되지 않는 제작 환경이 조성됐다.
이러한 비결정론은 베를린 학파의 ‘시간의 생산’이라는 작곡 개념과 강하게 연결되어 있습니다. 음높이와 리듬은 악보 표기법이 아니라 일련의 전압 변화로 관리되기 때문에 음악은 청사진이 아닌 과정으로 존재합니다.
아날로그 시퀀서
아날로그 시퀀서는 여러 단계의 전압 값을 순환하는 장치였으며 베를린 학교의 반복 구조에 대한 물리적 지원을 제공했습니다. 각 단계는 시간에 따라 고르게 분포되지만 전압 값을 설정하여 멜로디 및 하모닉 윤곽이 형성됩니다.
중요한 것은 시퀀스가 ’박자’가 아닌 ‘주기’에 기반을 두고 있다는 점이다. 그 결과 리듬은 단순한 춤의 틀이 아니라 듣는 사람의 시간 감각을 확장하는 기반이 되었다.
테이프 녹음 및 다층 구조
다중 트랙 녹음과 테이프 편집은 초기 베를린 학교에서 중요한 역할을 했습니다. 즉흥 연주를 장기간 녹음하고, 일부를 편집하고, 레이어링하여 비선형적인 구조를 구축했습니다. 이는 스튜디오를 작곡 공간으로 대하는 태도이며, 이후 DAW와 같은 프로덕션 사고의 선례로 볼 수 있습니다.
8장 대표작의 구조 분석
본 장에서는 구체적인 작품명을 나열하기보다는 확인할 수 있는 구조적 유형으로 분석해 본다.
단일 시퀀스 확장 유형
특정 시퀀스가 곡 전체를 관통하며 음색의 변화와 레이어의 추가를 통해 확장되는 형식입니다. 시간의 흐름 자체가 구조를 형성하고, 주제 전개와 변조라는 전통적인 개념이 배경이 된다.
독보적인 연속톤 타입
명확한 순서 없이 지속적인 음표와 느린 변화를 중심으로 구축된 형식입니다. 클라우스 슐체(Klaus Schulze)의 작품에서 두드러지며 이후 앰비언트 음악과 드론 음악의 원형이 되었습니다.
즉흥녹음 편집형
라이브 또는 스튜디오 즉흥 연주를 자료로 사용하고 사후 편집을 통해 구조화되는 형식입니다. 이 방법은 구성과 퍼포먼스 사이의 경계를 모호하게 만들어 작품을 사건의 기록으로 자리매김합니다.
9장 영화음악과의 연결
1970년대 후반부터 베를린 악파 작곡가들은 영화음악 분야로 활동을 확대했다. 오래 지속되는 소리, 반복적인 진행, 전자음은 이미지의 시간축과 높은 친화성을 갖고 있습니다.
베를린학파의 영화음악 방식은 선율 중심의 음악보다는 공간적 구성을 강조하는 것이 특징이다. 음악은 이야기를 설명하기보다는 심리적, 물리적 환경을 구성하는 역할을 한다.
이러한 관행은 이후의 영화적 분위기와 사운드 디자인 중심의 전자 음악으로 계승되었습니다.
10장 Kraftwerk 전후 비교
베를린학파를 정확하게 이해하기 위해서는 크라프트베르크와의 관계를 연대순으로 정리할 필요가 있다.
크라프트베르크 이전
Kraftwerk 이전에 베를린 학교는 즉흥성과 긴 형식을 강조했습니다. 리듬은 유동적이며 작품은 진행보다는 전환으로 인식됩니다. 이 단계에서 전자음악은 록과 학문적 전자음악으로부터의 탈피 수단이었다.
크라프트베르크 이후
Kraftwerk는 전자음악을 명확한 리듬 구조와 반복적인 비트로 재구성했습니다. 이로 인해 일렉트로닉 음악이 춤을 출 수 있는 형태로 국제적으로 인정받게 되었습니다. 반면 베를린 학파는 비트 중심주의와 거리를 두고 시간을 확장하는 음악으로서의 자신만의 노선을 유지했다.
테크노/신스팝과 앰비언트/드론을 구분하는 이러한 차이는 이후 전자 음악 지도에 명확한 축을 제공했습니다.
연대기
- 1950년대 학술 전자음악 스튜디오 설립
- 1960년대: 모듈러 신시사이저의 대중화
- 1967년 귤드림 결성
- 1970년대 초반 : 베를린학파 구성방식 확립
- 1970년대 후반: 영화음악 분야의 발전
- 1980년대 Kraftwerk 이후 전자음악 계열
- 2000년대 이후: 모듈러의 재평가와 즉흥문화의 부흥
구조 다이어그램
결론
전자음악의 역사에서 베를린학파는 형식보다는 시간감을 변화시킨 운동으로 자리매김하고 있다. 그 영향력은 조용하지만 확실하게 계속 확장되고 있습니다.
