[Chronique] Tatsuro Yamashita : Esthétique analogique et changements sonores après la transition vers le numérique
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Environnement de production, équipement, méthodes d’enregistrement, culture du studio, spécifications des médias
Texte : mmr｜Thème : De l’ère de la city pop aux dernières œuvres, à propos de la philosophie sonore suivie par « recording people »
Dans l’histoire de la musique pop japonaise, Tatsuro Yamashita est non seulement un chanteur et compositeur, mais aussi l’un des principaux « auteurs d’enregistrement » du Japon. Ce qui traverse ses albums, plus que les tendances ou les genres musicaux qui changent avec le temps, c’est la technologie d’enregistrement, le support et la philosophie acoustique.
en particulier,
- Création sonore approfondie à l’ère des bandes analogiques
- Modifications et sélections minutieuses après l’introduction de l’enregistrement numérique/de l’équipement numérique
- Relation avec la culture studio à l’ère de la city pop
- Cohérence de la philosophie dans les remasters récents
Ces changements ne sont pas simplement des différences dans la qualité sonore, mais reflètent l’histoire de l’enregistrement populaire au Japon même.
1. Années 1970 : L’âge d’or de la bande analogique et la fondation de Tatsuro Yamashita
■ Sugar Babe (1973-1976)
La vision musicale de Tatsuro Yamashita s’est formée dans la culture de l’enregistrement analogique rock/pop de cette période.
- Support d’enregistrement : Bande multipiste analogique (2 pouces, principalement 16-24tr)
- Studio : Ancien studio japonais (Victor, Nichion, CBS Sony, etc.)
- Formation musicale : engagement profond envers la culture de l’enregistrement américaine comme Brian Wilson, Phil Spector, Stax, etc.
Au cours de cette période, Tatsuro a déclaré qu’il avait déjà solidifié l’idée selon laquelle « la technologie d’enregistrement est la base de la musique ».
■ Caractéristiques sonores de « SONGS » (1975)
- Overdubbing avec auto-chorus
- Son de salle morte de batterie
- Enregistrement live de cors/cordes
- Spécifique à l’analogique plage moyenne-basse épaisse
Les arrangements et les enregistrements optimisés pour les caractéristiques analogiques avaient déjà commencé.
2. Fin des années 1970 : début de la période solo et forme achevée de « Analog Layer »
■ « SPACY » (1977), « ALLEZ-Y ! » (1978)
Cette période était l’époque où Tatsuro utilisait pleinement l’enregistrement analogique 24 pistes.
Caractéristiques:
- Compression de sensation de température avec du ruban adhésif
- Overdub du jeu des mains (guitare, clavier, percussions)
- Des dizaines de voix superposées
Plus tard, Tatsuro a déclaré : « Plus vous superposez l’analogique, plus les nuances s’assemblent », et les œuvres de cette époque en sont la forme idéale.
3. 1980-1982 : « RIDE ON TIME » « POUR VOUS »
■ Le summum de la technologie d’enregistrement à l’ère de la city pop
Au début des années 1980, la technologie des studios japonais avait atteint un niveau mondial. Au centre de tout cela se trouvait CBS Sony Shinanomachi Studio.
▼ Pic d’enregistrement analogique
- Matériel utilisé : Studer A80/A800 24tr, console NEVE
- Rythme : Batterie live + enregistrement analogique
- Guitare : Son chaud grâce au compresseur
- Chorus : « Dense layering » propre à l’analogique
- Reverb : plaque EMT 140 avec pré-delay Lexicon
Le son de cette époque est souvent considéré comme la « forme idéale de la city pop ».
■ Esthétique de l’enregistrement de « FOR YOU » (1982)
Cette œuvre est considérée comme l’une des œuvres les plus marquantes de Tatsuro. Caractéristiques acoustiques :
- Le plus haut niveau de clarté en enregistrement analogique
- L’« épaisseur » des enregistrements de batterie analogique
- Densité et localisation parfaites du refrain
- Le côté aigu est arrondi et ressemble à une oreille analogique.
Une œuvre rare entièrement analogique mais dotée d’une résolution moderne.
4. Fin des années 1980 : Période d’adoption du numérique et transition prudente
Le CD est sorti au Japon en 1982. À la fin des années 1980, les équipements d’enregistrement numérique (PCM, multi numérique, réverbération numérique) ont commencé à se répandre rapidement.
Cependant, Tatsuro Yamashita est l’un des artistes les plus prudents à l’égard de la numérisation.
■ Première introduction du numérique
Tatsuro a commencé à utiliser sérieusement les équipements numériques.
- Introduction des synthés numériques (DX7, etc.)
- Utilisation limitée de la réverbération numérique (Lexicon 224/480)
- L’enregistrement lui-même maintient fortement la “bande analogique”
Plus précisément, j’ai évité l’enregistrement numérique lui-même pour les raisons suivantes :
- Dans les premiers stades de l’enregistrement numérique, les hautes fréquences sont dures et la profondeur se perd facilement.
- Je détestais perdre la “rondeur” du surenregistrement analogique.
- L’analogique était meilleur pour construire mon propre refrain.
En fait, Tatsuro déclare : « L’époque où les 24 pistes analogiques sont devenues obsolètes a été une crise pour la musique. »
5. Années 1990 : Entrée dans l’ère de l’enregistrement numérique et nouvelles approches
Dans les années 1990, l’industrie s’est complètement tournée vers le numérique.
▼ Bien que Tatsuro soit passé à l’enregistrement numérique, sa position de base est restée la même.
- Adopte l’enregistrement numérique
- Cependant, traitement accru pour conserver la texture analogique
- Les enregistrements d’instruments de musique utilisent encore beaucoup de son live
- Méthode d’enregistrement du chœur continue
■ « ARTISAN » (1991)
- Un chef-d’œuvre de l’ère de l’enregistrement numérique à part entière -Haute résolution, gamme moyenne-haute claire
- Utiliser du matériel numérique tout en conservant les techniques de chorus de l’ère analogique
- Le son est aigu mais pas froid
Tatsuro déclare : « Même avec l’enregistrement numérique, vous pouvez créer une impression de température en fonction de la manière dont vous l’enregistrez. »
6. Années 2000 : La maturité de la production numérique et l’implantation du « numérique analogique »
■ Philosophie d’enregistrement des années 2000
- L’environnement de production est entièrement numérique
- Cependant, concentrez-vous sur la sélection du microphone et le son de la pièce pendant la phase d’enregistrement.
- “Concevoir des textures analogiques même si elles sont numériques”
Tatsuro a également construit un environnement d’enregistrement de haute qualité chez lui, Réaliser une fusion unique de autoproduit + numérique + son live.
#7. Années 2010 : ère du remaster et « revival sonore »
Tout au long des années 2020, de nombreuses œuvres de l’ère analogique ont été remasterisées.
Même lors de la remasterisation, Tatsuro a clairement indiqué qu’il n’aimait pas du tout changer le son.
▼ Fonctionnalités remasterisées
- Reproduit fidèlement la bande originale
- Pas d’égalisation extrême
- N’augmentez pas la pression sonore de manière anormale (rejetez la guerre du volume)
- Transmettre l’intention originale telle quelle.
En conséquence, les récentes rééditions analogiques ont reçu des éloges dans le monde entier.
8. Années 2020 : Dernières œuvres - ère du retour analogique
De nos jours, la demande de disques analogiques augmente à nouveau. Tatsuro maintient l’attitude suivante à l’ère numérique :
- L’enregistrement est principalement numérique
- Mais concentrez-vous sur la version analogique
- Le mixage conserve un côté analogique
- Évitez une pression sonore excessive
- Maintient la rondeur des aigus et l’épaisseur des médiums
En particulier, son dernier travail a un son qui est une fusion de haut niveau entre « rondeur analogique » et « contenu d’information numérique ».
9. Chronologie : Flux de transition de l’analogique au numérique
10. Comparaison technique des sons analogiques et numériques
– Différences d’acoustique basées sur les œuvres de Tatsuro
| Article | Période analogique (~ années 1980) | Période numérique (années 1990 ~) |
|---|---|---|
| Supports d’enregistrement | Ruban (2 pouces) | PCM/ProTools |
| Impression sonore | Chaud, épais, rond | Clair, net |
| Chœur | Plus vous superposez, plus cela devient ensemble | Il a tendance à devenir rigide lorsqu’il est superposé |
| Tambours | Graves épais et naturels | Montée rapide |
| Bruit | Petite quantité de sifflement de bande | Presque zéro |
| Évaluation de Tatsuro | “C’est proche de la forme idéale de la musique” | “Cela dépend de la façon dont vous l’utilisez” |
11. City pop et culture de l’enregistrement : Pourquoi le son de l’ère analogique est-il « spécial » ?
La raison pour laquelle les chefs-d’œuvre de Tatsuro Yamashita ont été réévalués dans le monde entier en tant que city pop est la suivante. Il ne s’agit pas seulement du charme des chansons, mais aussi de la texture de l’enregistrement analogique et de la culture des studios japonais des années 1980.
indiquer:
- Compatibilité batterie live et enregistrement analogique
- Jeu avancé avec des musiciens manuels (Tatsuo Hayashi, Hironori Ito, Jun Aoyama, etc.)
- Conception acoustique de grands studios (Shinanomachi, Victor, On Air, etc.)
- Riche médium-bas de gamme avec console NEVE
- Culture de réverbération à plaques EMT
Ces « conditions spécifiques à l’âge » rendent le son analogique de la city pop unique.
12. Conclusion :
Le son de Tatsuro Yamashita n’est pas « analogique ou numérique »
La cohérence dans la « philosophie d’enregistrement » est primordiale
Tout au long de ses 50 ans de carrière, le son de Tatsuro peut être résumé ainsi :
-
Ère analogique : En maîtrisant les limites des matériaux et des équipements, nous avons atteint le summum de la « sensation de température »
-
Après la migration numérique : Continu de conserver une sensation analogique tout en acceptant l’évolution de la technologie
-
Époque remasterisée : Nous avons maintenu une position consistant à reproduire fidèlement le son original plutôt que de réécrire l’histoire
Autrement dit, **Même si les médias et l’équipement changent, l’essence du son de Tatsuro Yamashita reste la même. **
On dit que « la technologie d’enregistrement est la musique elle-même ». Cela reflète les convictions qu’il défend depuis le début de sa carrière.
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