[Chronique] La structure profonde de la guitare psychédélique dessinée par Seiichi Yamamoto et Delay

Column fr Experimental Noise Psychedelic

02 Apr 2026

[Chronique] La structure profonde de la guitare psychédélique dessinée par Seiichi Yamamoto et Delay

Qui est Seiichi Yamamoto ?

Texte : mmr｜Thème : Le delay déforme le temps, la guitare peint l’espace – Au cœur de la philosophie acoustique et des psychédéliques de Seiichi Yamamoto

Seiichi Yamamoto est une figure unique dans l’histoire de la musique expérimentale japonaise. Bien qu’il soit guitariste, il a également travaillé comme artiste sonore qui s’intéresse au processus de génération, de maintien et de disparition du son.

Ses expressions sont diverses, y compris les groupes, l’improvisation, la musique de film et les œuvres solo, mais elles sont essentiellement axées sur l’exploration de la « temporalité du son ». En particulier, les sons basés sur le delay sont un élément déterminant de sa musique.

La musique de Seiichi Yamamoto est basée sur « l’envers du son ».

L’ennui : limites de bruit et transformations

Les activités de Seiichi Yamamoto avec Boredoms (1986-2001) ont constitué une période importante dans la connexion de la musique underground japonaise avec le monde.

Album représentatif

『Décharge d’âme』 *『Pop Tatari』 *『Super æ』
« Vision Création Newsun »

Initialement connu sous le nom de noise rock destructeur, il a progressivement évolué vers une structure basée sur la répétition et le sustain. ``Vision Creation Newsun’’ atteint un niveau de perfection plus élevé en tant que musique soutenue de type transe.

Vies et anecdotes légendaires

Volume et physique

En raison de son volume et de ses vibrations extrêmes, le son agit non seulement comme une sensation auditive mais aussi comme une sensation physique.

Transe par répétition

En raison de la longue répétition, la notion du temps se dilue et le public est plongé dans un état de transe.

La frontière entre contrôle et effondrement

Même le moment où le feedback et le bruit atteignent leurs limites de contrôle devient le cœur de la performance.

Les concerts de Boredoms sont en train d’atteindre un point critique dans leur son.

Évaluation et impact à l’étranger

Les activités de Boredoms et de Seiichi Yamamoto ont été très appréciées sur la scène de la musique expérimentale/musique alternative en Europe et en Amérique.

Évaluation des caractéristiques

Structuration du bruit
Transsexualité due à la répétition
Fusion d’improvisation et de construction

Vision Creation Newsun est également reconnu comme une œuvre importante dans le contexte psychédélique et drone.

Impact acoustique

Le son soutenu utilisant le delay de Seiichi Yamamoto est devenu une technique de référence dans les domaines du drone et de l’ambient également.

Le son de Seiichi Yamamoto n’est pas évalué comme un genre mais comme un phénomène sonore.

Memories Wharf et Urban Psychedelia

À Omoide Hatoba, on joue une musique qui traverse les genres.

Album représentatif

« JOE sous-marin » *『Sukiyaki Western』

La musique est générée dans une situation.

Boussole et marge sonore

Dans la boussole, nous supprimons le nombre de sons et accentuons la réverbération.

Album représentatif

« Évangile »
« Chanson éternelle »

L’absence de son crée une impression de profondeur dans le temps.

ROVO et structure du transformateur

ROVO se concentre sur les structures répétitives à long terme.

La répétition est une structure qui transforme la conscience.

Discographie solo

*ANO (1998) *NOA2 (2001)

Couronne de Fuzzy Groove (2002)
Fréquence Nu (2003)
Devinette (2003) *Baptême (2004) *EVE (2005)
Bande originale de TOKYO LOOP (2006) *AIRE DE JEUX (2010)
TERRAIN DE JEUX Acoustique+ (2011)
Rhapsodie (2011)
Album de couverture 1ère collection (2013) *LUMIÈRES (2013)
Fauxt (2014)
Comptines (2015)
café cerveau (2020) *selfie (2020)

Le cœur de « Crown of Fuzzy Groove »

« Crown of Fuzzy Groove » de 2002 est une œuvre qui cristallise la philosophie acoustique de Seiichi Yamamoto.

Multicouche de temps par retard

Durabilité grâce aux commentaires
Fusion du bruit et des harmoniques

flowchart TD A[単音] --> B[ディレイ] B --> C[フィードバック] C --> D[音の層] D --> E[持続的変化]

Les sons n’existent pas comme des phrases, mais comme des phénomènes qui continuent de se chevaucher.

Origine et arrivée à « Mantral »

La dernière chanson de l’album, « Mantral », n’est pas seulement une œuvre de studio complète, mais elle peut également être comprise de manière plus tridimensionnelle en retraçant ses origines.

Cette chanson dérive à l’origine d’un motif joué pendant la période des Boredoms, mais elle n’a jamais été publiée par Boredoms.

En d’autres termes, « Mantral » peut être considéré comme une reconstruction des phrases répétitives et de la structure de transe nées dans la scène Boredoms dans son travail solo.

D’ailleurs, cette mélodie se retrouve également sur l’album «Mountain Book» d’OOIOO. Ici, les mêmes fragments mélodiques produits par Seiichi Yamamoto sont développés dans un arrangement et un contexte différents.

Ce fait est important.

La même mélodie et la même structure

Improvisation collective bruitiste (Ennuis)
Expérience rythmique dirigée par des femmes (OOIOO)
Exploration acoustique personnelle (solo)

Il apparaît en se transformant dans différents environnements.

En d’autres termes, « Mantral » n’est pas seulement une chanson, mais le cœur même du son qui continue de persister au sein de Seiichi Yamamoto.

La vraie nature de la grandeur

« Mantral » de « Crown of Fuzzy Groove » est présenté comme quelque chose de proche de sa forme finale.

Ici, la mélodie répétée est amplifiée d’innombrables fois par des retards, et les couches sonores s’agrandissent progressivement. Le son perd son existence individuelle et se transforme en un gigantesque flux sonore.

À la base se trouve une mélodie simple et répétée. Cette mélodie est multiplexée avec un retard, et le son devient progressivement plus épais. Les sons individuels perdent leurs contours et se transforment en un corps acoustique continu.

La mélodie est préservée lors de la dissolution
Le rythme n’est pas explicite et persiste
L’espace continue de s’étendre

Plutôt que de marquer le rythme, la batterie fonctionne comme « l’axe qui soutient la musique ».

Un motif qui se répète à intervalles réguliers
Soufflage minimaliste sans décoration excessive
Un noyau qui ne disparaît pas même s’il est enfoui dans des couches sonores

Ce tambour crée une douce gravité plutôt qu’une prolifération chaotique de sons.

Alors que les delays de guitare étirent le temps horizontalement, les batteries fixent le temps verticalement.

En conséquence, le son « s’accumule » plutôt que de simplement se propager.

De plus, les infimes fluctuations des tambours évitent une boucle mécanique complète et donnent aux répétitions une variation organique. Cela permet à l’auditeur de continuer à percevoir de légers changements tout en restant dans le même schéma.

Le son est amplifié et superposé, le temps s’étire.

Au centre se trouve le tambour, qui sert d’axe incassable.

Grâce à cette structure, « Mantral » n’est pas seulement un bourdonnement ou une musique répétitive, mais un gigantesque flux sonore.

La grandeur n’est pas la taille du son, mais la profondeur du temps créée par la durée et la structure, et ce sens de l’échelle est l’essence de la « grandeur » de cette chanson.

Cela n’est pas dû à la taille de l’organisation, mais à l’étalement du temps.

Le son circule sans fin et l’auditeur est transporté à l’intérieur.

«Mantral» n’est pas une chanson unique, mais une structure sonore qui persiste à travers différentes époques et lieux.

Namba Bears et le sol de la musique

Les Ours Namba sont incontournables lorsqu’on parle des activités de Seiichi Yamamoto.

Cet endroit est plus qu’une simple salle de concert ; il a été un lieu de naissance important pour la musique underground japonaise.

Management et philosophie

En étant impliqué dans la gestion, Seiichi Yamamoto s’implique dans la musique non seulement en tant qu’interprète mais aussi en tant que « créateur d’environnement ».

Ici, la libre expression est autorisée sans être liée par un genre ou une technique, et les jeunes musiciens et les efforts expérimentaux naissent naturellement.

Former et influencer la prochaine génération

Les ours de Namba se caractérisent par leur développement à travers le « lieu lui-même » plutôt que par un système éducatif clair.

Ouverture qui permet même à des artistes inconnus de se produire
Une ambiance qui permet l’improvisation et l’expérimentation
Contact direct avec des musiciens nationaux et internationaux

Dans cet environnement, de nombreux jeunes acquièrent de l’expérience et forment leurs propres expressions.

Ce qui est important dans ce processus n’est pas d’éprouver le « son terminé », mais d’éprouver le « son en cours ».

Tout comme la propre musique de Seiichi Yamamoto trouve de la valeur dans l’inachevé et la continuité, ce lieu met également l’accent sur le processus.

Retour sonore

On pense que l’expérience de Seiichi Yamamoto dans un tel environnement a influencé son propre son.

En étant quotidiennement exposé à une variété de performances et de sons non organisés, le sens du son devient plus flexible et plus ouvert. De ce fait, son son n’est jamais figé et change constamment.

Le fait de nourrir la prochaine génération influence non seulement les autres, mais crée également un cycle dans lequel la profondeur de son propre son continue d’être mise à jour.

La musique est l’expression d’un individu, mais en même temps un phénomène nourri par le lieu.

Conclusion : Psychédélique au vrai sens du terme

La musique de Seiichi Yamamoto ne consiste pas uniquement en son talent individuel.

L’acoustique extrême d’une grande variété de groupes participants, la réputation à l’étranger et la gestion de la salle des Namba Bears - ces éléments interagissent les uns avec les autres pour continuer à mettre à jour la profondeur du son.

Le travail visant à nourrir la prochaine génération n’est pas une influence unidirectionnelle. Être exposé à de nouveaux sons et à des expressions immatures bouleverse et actualise son propre son.

Le son n’est pas fixe. Cela ne cesse de changer selon le lieu et la personne.

C’est dans ce cycle que réside l’essence du son psychédélique de Seiichi Yamamoto.