[Chronique] Pink Floyd——Une expansion du rock qui a reconstruit le monde avec le son et l'espace
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Prologue : Le moment où le rock se transforme en « expérience »
Texte : mmr｜Thème : La trajectoire de l’innovation et de la pensée de Pink Floyd qui a étendu la musique à l’art spatial
Jusqu’où la musique peut-elle s’étendre ?
Dans les années 1960, le rock était encore « une musique qui se jouait ». Cependant, Pink Floyd transforme cela en un « espace à vivre ». La musique dans son ensemble, y compris le son, la lumière, les images et même le silence. Leur apparition est un événement qui réécrit la définition même du rock.
Lors des premiers concerts, comme au UFO Club de Londres, un spectacle de lumière liquide était projeté simultanément avec la musique, faisant du public non seulement des auditeurs mais des « initiés ». À ce stade, leur performance live était déjà un « environnement » plutôt qu’un concert.
L’un des témoignages du public de l’époque est qu’ils « ne se contentaient pas de regarder le groupe, mais se fondaient dans l’espace ». Ce n’est pas une exagération ; c’était exactement l’expérience qu’ils voulaient.
Le rock est passé de « quelque chose à écouter » à « quelque chose dans lequel s’immerger ».
Chapitre 1 : Les origines et l’effondrement du psychédélisme
Le noyau de Syd Barrett
Dès le début, Syd Barrett était le centre créatif du groupe. Les chansons qu’il a écrites ressemblaient à des contes de fées mais étaient pleines de malaise et étaient fortement liées à la culture psychédélique de l’époque.
Leur premier album de 1967, The Piper at the Gates of Dawn, en est l’illustration parfaite. L’enregistrement a coïncidé avec la création de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dans le même studio. On raconte qu’ils se croisaient parfois dans le couloir du studio, mais leur orientation musicale était bien différente.
Barrett a laissé de nombreuses anecdotes derrière lui. Il y a une histoire bien connue selon laquelle il ne changeait jamais les accords de sa guitare lors d’un concert, se contentant de jouer une note encore et encore. Il y a aussi un épisode dans lequel elle a appliqué une crème brillante sur ses cheveux, est montée sur scène et a fondu sous la chaleur des lumières, couvrant son visage.
En 1968, il quitte le groupe. Mais là encore, pendant la production de Wish You Were Here de 1975, il s’est soudainement présenté au studio et personne ne l’a reconnu. Cette visite a eu un impact profond sur le groupe, comme le symbolise la chanson “Shine On You Crazy Diamond”.
L’explosion de la création fut aussi le début de l’effondrement.
Chapitre 2 : Le rock comme construction acoustique
Redéfinition collective
Après le départ de Barrett, Roger Waters, Richard Wright, Nick Mason et David Gilmour chercheront de nouvelles orientations.
Ce qu’ils ont choisi, c’est la « musique construite ». Les studios d’enregistrement ont commencé à jouer un rôle égal, voire supérieur, à celui des instruments de musique. Rotation inversée de la bande, boucle et enregistrement sur le terrain. Tout est devenu matière sonore.
« Echoes » de « Meddle » présente un son mystérieux, semblable à un ping, qui a été découvert par hasard lorsqu’un microphone était placé près d’un piano. Cette attitude consistant à incorporer le hasard dans la structure s’applique également à la musique électronique ultérieure.
Ils ont également expérimenté le « son quadriphonique », qui déplace le son en plaçant des haut-parleurs de tous les côtés lors de performances live. L’expérience consistant à faire entendre le son derrière le public était extrêmement innovante à l’époque.
Le son est passé du stade de jeu à celui de conception.
Chapitre 3 : Album concept complet
『La face cachée de la Lune』
En 1973, The Dark Side of the Moon marque un tournant dans l’histoire du rock. Cette œuvre unifie des thèmes tels que le temps, la folie, la mort et le capitalisme, et l’album dans son ensemble fonctionne comme une idéologie unique.
Dans l’enregistrement, les tambours ont été modifiés pour reproduire le son d’un battement de cœur, et des sons quotidiens tels que le son d’une caisse enregistreuse et d’une horloge ont été incorporés au rythme. Le son de l’horloge au début est un enregistrement simultané de plusieurs horloges en studio.
Une autre particularité est l’inclusion d’entretiens audio avec des gens ordinaires. Les réponses à des questions telles que « Qu’est-ce que la folie ? » et « Que pensez-vous de la mort ? » font partie de la chanson.
La conception de la pochette de cet album a été réalisée par Hipgnosis et l’image d’un prisme symbolise la décomposition et la reconstruction du son.
Un album n’est pas seulement une collection de chansons, c’est devenu une idée en soi.
Chapitre 4 : Histoire et production croissantes
« Le Mur » et la parabole de la division
The Wall, sorti en 1979, est basé sur les expériences personnelles de Roger Waters et explore les thèmes de l’isolement et de l’oppression.
Lors du live, un gigantesque mur est effectivement construit sur la scène et se complète au fur et à mesure de la performance. Et à la fin, ce mur s’effondre. Cette production a laissé une forte impression sur le public.
L’incident survenu lors de la tournée “In the Flesh” est encore plus symbolique. L’incident au cours duquel Waters a craché sur un membre du public a été un choc même pour lui et aurait été le point de départ de l’idée de The Wall.
La version cinématographique a été réalisée par Alan Parker et présentait une combinaison d’animation et d’action en direct. À l’époque, il n’existait pratiquement aucun exemple d’œuvres musicales ayant été visuellement agrandies à ce point.
Les histoires transcendent le son et commencent à dominer l’espace lui-même.
Chapitre 5 : Conflit interne et réorganisation
Départ de Waters
Au fur et à mesure que les années 1980 avançaient, les tensions au sein du groupe augmentèrent et Waters quitta le groupe en 1985. Bien qu’il ait déclaré la fin du groupe, David Gilmour et d’autres décidèrent de poursuivre leurs activités.
Des différends juridiques ont également surgi au cours de cette période et les conflits se sont poursuivis concernant l’utilisation du nom du groupe. En conséquence, l’équipe de Gilmore conservera le nom de « Pink Floyd ».
“A Momentary Lapse of Reason” de 1987 est connu pour son recours intensif aux musiciens de studio, mais la performance live a une fois de plus ramené la production spectaculaire, utilisant des écrans géants et des faisceaux laser.
Le groupe s’est séparé d’une idéologie en de multiples interprétations.
Chapitre 6 : Pink Floyd comme héritage
Impact moderne
L’influence de Pink Floyd est incommensurable. Dans le domaine ambiant, il entre en résonance avec les idées de Brian Eno et contribue au développement de la musique spatiale.
De plus, bon nombre des productions live actuelles – écrans LED géants, son stéréophonique et installations immersives – sont le prolongement de leurs efforts.
En 1990, la reconstitution du « Mur » par Waters sur le site du mur de Berlin est devenue un événement culturel symbolique marquant la fin de la guerre froide.
De plus, le moment où les principaux membres se sont réunis au Live 8 en 2005 reste dans les mémoires comme un événement qui restera dans l’histoire de la musique.
Leur musique ne s’arrête jamais et continue de vivre comme une méthodologie.
Chronologie
Événements clés de Pink Floyd
C’est une trajectoire qui continue d’actualiser la définition de la musique à chaque époque.
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