[Chronique] Experimental Beats × Anime Soundtrack ─ L'histoire du son anime élargie par la musique expérimentale
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Histoire d’intersection de la musique expérimentale et des bandes sonores d’anime
| Texte : mmr | Thème : Comment le rythme expérimental a-t-il mis à jour la musique d’anime et élargi l’expression visuelle elle-même ? |
Électroacoustique, percussions ethniques, sampling, breakbeats, traitement ambiant. Ce ne sont pas seulement des décorations, mais ont été incorporées dans des œuvres d’anime en tant que structures créant une vision du monde.
Cet article se concentre sur des exemples représentatifs de la fin des années 1980 et examine comment les rythmes expérimentaux ont pénétré la musique d’anime et modifié sa structure narrative et sa réception culturelle du point de vue des œuvres, des compositeurs et des techniques sonores.
Experimental Beats × Anime Soundtrack fait référence au phénomène dans lequel la musique qui intègre une acoustique électronique, des instruments de percussion d’avant-garde, des structures rythmiques non homogènes et une culture d’échantillonnage fonctionne comme accompagnement, chanson thème et chanson d’insertion pour les œuvres d’animation.
Cela ne signifie pas simplement « utiliser la musique électronique ». L’essentiel est que la construction du rythme lui-même est liée au montage vidéo, au travail de la caméra et à la mise en scène du monde.
Principales fonctionnalités
- Structure minimale basée sur la répétition
- Introduction de polyrythmies et de signatures rythmiques impaires
- Reconstruction d’éléments de musique folk
- Réutilisation musicale du bruit et des sons environnementaux
- Connexion avec la culture du club
- Disparition des frontières entre conception sonore et accompagnement musical
Histoire
Années 1980 : Fusion de musique d’avant-garde et d’animation théâtrale
La version cinématographique d’AKIRA, sortie en 1988, a marqué un tournant majeur dans l’histoire de la musique animée.
Le Geino Yamashiro Gumi, en charge de la musique, est un groupe dont les activités sont basées sur la recherche sur les musiques ethniques et qui a créé un système sonore à grande échelle combinant shomyo, gamelan, instruments à percussion et traitement électronique. Les polyrythmies en couches, l’accent mis sur les harmoniques et le refrain collectif représentaient symboliquement le chaos de la ville du futur proche de Néo-Tokyo.
Contrairement à l’accompagnement symphonique classique, il est important que le rythme ait une structure qui « propulse » l’image.
À la fin des années 1980, l’anime s’est éloigné de son orientation orchestrale et a commencé à se transformer en un domaine d’expérimentation sonore.
Années 1990 : Cyberpunk et électroacoustique
Kenji Kawai, qui s’est chargé de la musique de GHOST IN THE SHELL sorti en 1995, combinait sonorités électroniques et mélodies religieuses.
Chœur polyphonique faisant référence à des voix bulgares, des nappes de synthé inorganiques et des rythmes basses fréquences. Ceci est un exemple d’expression de la tension entre la physicalité et la mécanique à travers le son.
Dans Cowboy Bebop, diffusé en 1998, Yoko Kanno traverse librement le jazz, le big band, le funk et l’électro. La chanson d’ouverture, « Tank ! », est une chanson de big band à grande vitesse, mais sa déconnexion rythmique et sa structure éditoriale résonnent avec les sensibilités de la culture post-club.
Les années 1990 ont été une époque où le son électronique et le croisement des genres ont fait leur entrée pour de bon dans l’anime télévisé.
Années 2000 : introduction du hip-hop et du lo-fi
Samurai Champloo de 2004 est une œuvre qui relie la culture hip-hop et le drame historique.
Nujabes et d’autres ont participé à la musique. Les échantillons de jazz, les breakbeats et les textures lo-fi sont fortement liés au tempo du montage et à la structure de l’action.
Il s’agit d’un exemple d’incorporation de rythmes dans la notion de temps de l’histoire, plutôt que de simplement jouer de la musique hip-hop.
À peu près à la même époque, avec la généralisation des environnements de production numérique, la production musicale basée sur le DTM est devenue monnaie courante. Le coût de l’introduction de rythmes expérimentaux a diminué, et cela s’est étendu aux séries télévisées.
Dans les années 2000, les rythmes sont devenus le langage interne de l’anime plutôt que sa culture externe.
Années 2010 : Fusion de la musique électronique et du sound design
Dans PSYCHO-PASS, diffusé en 2012, Yugo Kanno a combiné des basses électroniques et des cordes profondes. Un sentiment de tension urbaine a été créé à l’aide de rythmes basses fréquences.
Yoko Kanno était à nouveau aux commandes dans Terror of Reverberations en 2014. Traitement ambiant, textures sonores ambiantes et rythmes minimaux. Le contraste entre le silence et le rythme crée une tension psychologique.
À cette époque, une variété de musique électronique telle que l’EDM, l’ambient et le post-rock a été incorporée dans les bandes originales d’anime.
Les rythmes expérimentaux sont passés à un stade où ils fonctionnent comme une conception spatiale plutôt que comme un clin d’œil.
Années 2020 : ère de la distribution et expansion mondiale
Cyberpunk : Edgerunners, sorti en 2022, exploite pleinement la musique électronique dérivée de la musique de club.
Les morceaux riches en basses et les textures industrielles se combinent au paysage urbain inorganique de Night City.
Dans un environnement de streaming, les bandes sonores atteignent instantanément les auditeurs internationaux. La musique anime ne se limite plus au marché national, mais est désormais directement liée à la scène des clubs et à la culture en ligne.
À l’ère de la distribution, la musique animée est devenue quelque chose qui circule en temps réel au-delà des frontières.
Chronologie
Depuis environ 35 ans, les rythmes expérimentaux se sont développés de manière continue plutôt qu’intermittente.
Artistes clés
Divertissement Yamashiro Gumi
Recherche sur les musiques ethniques et chorales à grande échelle. Des enregistrements ont été réalisés avec plusieurs centaines de personnes et la production s’est concentrée sur les vibrations physiques des instruments à percussion.
Kenji Kawaï
Une fusion de sons électroniques et de mélodies religieuses. Représente le conflit entre la machine et le corps à travers le son.
###Yoko Kanno
Un compositeur multi-genres. Contribué à la diffusion de programmes expérimentaux en animation télévisuelle.
Nujabés
Une fusion de jazz et de hip hop. Internationaliser la culture du beat instrumental à travers l’anime.
Les compositeurs étaient des traducteurs de genres, traduisant les expériences musicales dans l’espace visuel.
## Pistes essentielles
*Suite AKIRA
- Chanson thème Ghost in the Shell
- Réservoir! *cri de guerre
- Thème principal PSYCHO-PASS
- Cyberpunk : Edgerunners insère des chansons
Ce ne sont pas seulement des chansons populaires. Ceci est un exemple de la façon dont la structure rythmique, la conception du ton et le traitement spatial sont directement liés au tempo et au sens du montage de l’histoire.
En animation, le montage vidéo se gère image par image. Par conséquent, la synchronisation du cycle de battement et de la division de coupe a un effet important. Les rythmes expérimentaux sont souvent conçus en gardant cette synchronisation à l’esprit.
Le rythme n’est plus seulement une musique de fond, mais est devenu un lien avec la théorie du montage elle-même.
Impact culturel
Les bandes sonores expérimentales ont également influencé les cinéastes et musiciens européens et américains. Akira et Ghost in the Shell sont devenus des références en matière d’expression cyberpunk.
La culture hip-hop et lo-fi a également été réexportée à travers l’anime. Samurai Champloo a contribué à la visibilité internationale de la culture beat japonaise.
À l’ère de la distribution numérique, nous avons vu le phénomène des chansons d’anime réapparaître dans les charts mondiaux. L’anime est devenu un outil médiateur pour la circulation de la culture musicale.
Les rythmes expérimentaux utilisent l’anime comme support pour promouvoir la circulation musicale à l’échelle mondiale.
##FAQ
Les rythmes expérimentaux sont-ils toujours avant-gardistes ?
Ce n’est pas forcément difficile. Il a souvent une structure répétitive ou simple, mais le timbre et la conception rythmique sont différents des modèles traditionnels.
Pourquoi est-il facile de réussir dans l’anime ?
Parce que l’anime n’est pas lié au réalisme, les sons abstraits et les rythmes irréalistes fonctionnent parfaitement.
Quelles sont vos perspectives d’avenir ?
Avec les progrès de la musique électronique, du son généré par l’IA et de la conception sonore, l’intégration des rythmes et de la vidéo va probablement encore plus loin.
La relation entre les rythmes expérimentaux et la musique d’anime n’est pas un phénomène historique, mais un processus évolutif continu.
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