[Columna] Clásica Contemporánea / Neominimalismo Una nueva ola de música clásica contemporánea
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Introducción: Tendencia clásica moderna/neominimalista
Texto: mmr｜Tema: Acerca de esta tendencia, basado en hechos como técnicas de composición, entorno de producción y antecedentes institucionales, más que tendencias o valoraciones emocionales.
La música clásica desde la segunda mitad del siglo XX se ha diversificado en diversas direcciones a través de experimentos con la atonalidad, el aleatorismo y la música electrónica. En el siglo XXI, una tendencia que enfatiza la “tonalidad”, la “repetición”, la “tranquilidad” y la “experiencia auditiva en sí” ha vuelto a ganar atención internacional. Esta es el área generalmente denominada Clásico Contemporáneo o Neominimalismo.
Esta tendencia es única porque se ha formado tanto en instituciones tradicionales de música clásica como en entornos de producción musical independiente. Artistas como Max Richter, Nils Frahm y Hauschka tienen formación clásica, pero han incorporado activamente técnicas de grabación, postproducción, improvisación e instrumentos electrónicos.
Antecedentes históricos: clásico después del minimalismo.
El establecimiento del minimalismo del siglo XX.
Establecido en los Estados Unidos en la década de 1960 por La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass, el minimalismo se caracterizaba por repeticiones cortas, cambios graduales y estructuras métricas claras. Esto se entiende como una reacción a la música de apio de la época y a la cada vez más compleja música de vanguardia.
El minimalismo finalmente influyó en la ópera, la música de cine y la música de baile, y llegó a ser aceptado institucionalmente en la música clásica a finales del siglo XX.
Transición al posminimalismo
Desde la década de 1980, el minimalismo se ha alejado de la simple repetición y ha evolucionado hacia una dirección más melódica, armónica y lírica. El posminimalismo, representado por John Adams, estableció un estilo de escritura que coexistía con la orquestación tradicional y las estructuras repetitivas.
Este flujo se convirtió en la base del neominimalismo clásico/neomoderno posterior.
Concepto de Clásico Contemporáneo
Establecimiento como término
El término “clásico contemporáneo” no se refiere a un estilo estricto, sino que se utiliza principalmente como un término integral para referirse ampliamente a la música clásica desde la década de 2000 en adelante. Se ha llegado a utilizar especialmente en tiendas de discos, servicios de distribución y festivales de música para distinguirla de la música tradicional contemporánea.
“Es importante que la clasificación se base en la distribución y el entorno de escucha más que en el nombre del género”.
Cambios en las instituciones y el entorno.
Los compositores de esta época no basaban necesariamente sus actividades principalmente en encargos de orquestas o teatros de ópera. Los estudios caseros, los sellos independientes y la distribución digital juegan un papel importante.
Otra característica es que las obras grabadas se consideran tan importantes, si no más, que los conciertos.
Características musicales del neominimalismo.
Repetición y sentido del tiempo
En el neominimalismo, la repetición funciona no como una restricción estructural sino como una técnica para manipular la percepción del tiempo por parte del oyente. Al repetir continuamente ciertos patrones de sonido, la música se aleja de la progresión lineal y crea una sensación persistente del tiempo. Ésta es una actitud diferente de la forma teleológica de la primera mitad del siglo XX.
Las repeticiones pueden mantener una identidad completa o pueden implicar cambios sutiles en el acento, la armonía, el rango o el timbre. La minimización de esta diferencia es el núcleo de la formación de estructuras en el neominimalismo.
Tonalidad y armonía
Muchos compositores mantienen un centro tonal claro, pero no asumen una progresión armónica funcional. El énfasis está en las resonancias de los acordes sostenidos y superpuestos más que en la resolución de la tónica. Con frecuencia se utilizan tríadas, acordes de suma y estructuras de quinta perfecta abierta.
Este procesamiento armónico no es una reproducción del romanticismo del siglo XIX, sino que puede entenderse como una opción para garantizar la estabilidad acústica.
Diseño de tono
En el neominimalismo, el timbre es un componente tan importante como la melodía y la armonía, o incluso más. Se utilizan pianos de fieltro, pianos preparados, instrumentos de cuerda con instrumentos silenciados y reverberaciones procesadas electrónicamente, y la duración y la caída de la resonancia misma forman la forma.
El entorno de grabación y la ubicación del micrófono a menudo se planifican desde la etapa de composición.
Max Richter
Antecedentes profesionales y educativos
Max Richter es un compositor nacido en Alemania y radicado en el Reino Unido. Estudió en la Universidad de Edimburgo y en la Real Academia de Música, donde estudió con Luciano Berio.
Estilo
Sus obras combinan la estructura repetitiva del minimalismo con un sentido romántico de armonía. Su método único es combinar orquesta de cuerdas, piano y acústica electrónica.
También ha escrito música para cine, televisión y ballet, desdibujando los límites entre la música de concierto y la música de cine.
Nils Frahm
Fondo
Nils Frahm es un compositor y pianista alemán que recibió una educación en música clásica desde una edad temprana. Sus actividades se centran en Berlín.
Estudio e instrumentos
Frahm utiliza su propio estudio como centro de sus creaciones, combinando múltiples pianos, sintetizadores y grabadoras. Su trabajo se caracteriza por un método de producción que combina la improvisación y el montaje.
“Se diferencia de los compositores clásicos tradicionales en que la interpretación, la composición y la grabación no están separadas”.
Hauschka
Desarrollos modernos en piano preparado.
Hauschka (Volker Bertelmann) es un compositor y pianista alemán, conocido por sus obras centradas en el piano preparatorio. Al colocar fieltro, trozos de madera, metal, cinta adhesiva, etc. dentro del piano, resalta tonos de percusión y ruidosos.
La técnica en sí tiene su origen en la música experimental de mediados del siglo XX, pero Hauschka la combinó con estructuras repetitivas y la reinventó como una forma altamente audible.
Composición e improvisación
Sus obras incluyen tanto patrones estrictamente anotados como elementos de improvisación. A medida que se repite un determinado patrón rítmico, pequeños cambios causados por la manipulación física del intérprete impulsan la música.
Conexión con otros campos
Hauschka trabaja en múltiples campos, incluida la música cinematográfica, el arte contemporáneo y las artes escénicas, demostrando que el neominimalismo no se limita a un sistema específico.
Análisis de técnicas de composición: estructura, notación, producción.
Simplificación y apertura de la notación.
El neominimalismo no sigue necesariamente el formato de partitura tradicional en el que cada nota se anota en detalle. Sólo se especifican la unidad de repetición, el metro y el marco armónico, y los detalles a menudo se dejan en manos del intérprete.
Esto se diferencia de la música aleatoria en que la acústica resultante se mantiene dentro de un rango algo predecible.
Estructura de capas
Se superponen varias capas simples para formar un sonido complejo. Cada capa mantiene su independencia y está sincronizada temporalmente.
El acto de componer se llama edición.
Los ajustes de edición, bucle y dinámica posteriores a la grabación definen la estructura de la pieza en sí. El proceso de edición no se trata como un posprocesamiento, sino como una extensión del proceso de composición.
Entorno de escucha y cultura de escucha
Requisitos previos para la audiencia personal
Gran parte del neominimalismo clásico contemporáneo se basa en la escucha personal a través de auriculares o pequeños altavoces en lugar de en una sala de conciertos. Esto se debe a que los pequeños cambios de volumen y reverberación tienen un significado importante.
Espacio y música
A menudo se representa y reproduce en espacios de exposición, museos e instalaciones. La música es a la vez un arte del tiempo y un elemento que define el espacio.
“El silencio y los espacios en blanco también tienen diferentes significados según el entorno auditivo”.
Aceptación de trabajos largos.
Con la expansión de los entornos de streaming, se han creado las condiciones para que se escuchen a diario obras largas y estáticas.
Historial y distribución de etiquetas.
Papel de los sellos independientes
Desde la década de 2000, el número de sellos independientes especializados en música clásica contemporánea ha aumentado a nivel internacional. Estos sellos tienden a enfatizar la calidad de grabación, el diseño de la cubierta y la autonomía del artista.
El límite entre lo clásico y lo indie
Estos sellos adoptaron canales de venta y distribución diferentes a las redes tradicionales de distribución de música clásica, contribuyendo a la expansión de su base de oyentes.
Impacto institucional
Como resultado, ha surgido una situación en la que múltiples instituciones, como salas de conciertos, la industria cinematográfica y las instituciones artísticas, están conectadas.
Cronología
Diagrama: Cambios en el proceso productivo
Conclusión
El clásico/neominimalismo contemporáneo ha sido moldeado por múltiples factores, incluida la historia desde el minimalismo, los avances en la tecnología de grabación y los cambios en el entorno auditivo. Max Richter, Nils Frahm y Hauschka se encuentran entre sus practicantes representativos.
“El clásico/neominimalismo moderno es una práctica que refleja el entorno de producción musical del siglo XXI”.
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