[Column] Meredith Monk──An artist who continued to search for a place before voice became music
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声はなぜ音楽になるのか
文：mmr｜テーマ：言葉になる前の「声」を探し続けた前衛芸術家の60年
Looking back at the history of music since the latter half of the 20th century, there are several people who fundamentally reconsidered the very act of singing.
Meredith Monk is unique among them.
彼女はシンガーとして語られることもある。 He is sometimes introduced as a composer. Alternatively, he may be described as a choreographer, film director, or performance artist.
しかし、どの肩書きも完全ではない。
Because what Meredith Monk has been working on has been an attempt to expand the framework of music itself.
For many years, she has treated the ““voice’’ as not just a singing technique, but as the most primitive instrument possessed by humans.
笑い声。 Moaning. Whisper. Breathing. Scream. ハミング。
こうした要素を音楽の中心へと押し上げたのである。
現在ではボーカル・エクスペリメントや拡張発声法として広く認知されている考え方も、彼女が活動を始めた1960年代には極めて異端だった。
However, it was this unconventional nature that would later have a major influence on contemporary music and performance art.
Meredith Monk’s creation journey was not about creating songs, but about exploring ““what is the voice?’’
ニューヨーク前衛芸術シーンの中で
Meredith Monk was born in New York in 1942. As a child, he received Dalcroze rhythmic education as part of treatment for strabismus. He himself says that this educational method, which combines music and physical exercise, became the basis of his later creations.
1964年に Sarah Lawrence College を卒業。
At the time, art, dance, music, and theater were rapidly beginning to intersect in New York.
ジョン・ケージが偶然性を導入し、 マース・カニングハムがダンスを再定義し、 ミニマリズムが誕生しつつあった。
芸術の境界線そのものが崩れていく時代だった。
Monk はその空気の中で、既存のクラシック音楽にもブロードウェイにも属さない独自の表現を模索していく。
In 1968, he founded the interdisciplinary performance group ““The House.’’ Here, music, physical expression, video, and spatial direction were treated as one work.
At that time, the term ““multimedia art’’ had not yet become commonplace.
Monk はその概念が成立する前から実践していたのである。
She didn”t cross genres, but she didn”t have a genre in mind from the beginning.
声を楽器に変える
Meredith Monk が音楽史に残る最大の理由は発声法にある。
彼女の作品を初めて聴く人は驚く。
There are almost no lyrics in the general sense of the word.
意味を持つ言葉ではなく、
“ah” “Uh” “Ha!” 「んー」
The focus is on vocalizations such as:
しかし不思議なことに、聴き手はそこに感情や物語を感じ取る。
Monk は人間の声が本来持つ身体性に注目していた。
Voice before language.
文化以前の声。
A voice from before civilization.
I wanted to dig them out.
彼女は声を情報伝達の手段ではなく、感覚そのものとして扱った。
This idea had a huge influence on later vocal experimental music.
Monk の音楽は言葉を超えるために声を使った稀有な例だった。
Birth of Vocal Ensemble
In 1978, Meredith Monk formed Meredith Monk & Vocal Ensemble.
ここで彼女のアイデアはさらに拡張された。
By layering multiple voices,
鳥の群れのような音、 風景のような音、 儀式のような音、
を作り出したのである。
Although similarities with minimal music have been pointed out, her work cannot be explained by simple repetition.
そこには身体の呼吸がある。
偶然の揺らぎがある。
人間の存在感そのものがある。
そのため機械的な反復ではなく、有機的な循環として機能する。
Vocal Ensemble の活動によって、声だけで巨大な音響空間を構築できることが証明された。
ECMと世界的評価
1980年代に入ると ECM Records から作品を発表し始める。
ECM はジャズや現代音楽において独自の美学を持つレーベルとして知られている。
Monk’s work was very compatible with his transparent recording philosophy.
"”Dolmen Music’’ is known as his masterpiece and influenced many musicians. ([All About Jazz][2])
特に興味深いのは、彼女がクラシック界だけでなくポピュラー音楽の領域にも影響を与えたことだ。
後年には多くの実験的アーティストが彼女への敬意を公言している。
彼女の表現はジャンルを超えて共有されていったのである。
ECM時代は Meredith Monk の芸術が世界へ拡散していく重要な転換点だった。
映画と舞台を横断する
Monk の活動は音楽だけではない。
His films ““Ellis Island” and ““Book of Days” have been highly acclaimed. ([All About Jazz][2])
Even in her video works, she acts not as a musician but as a general artist.
Screen configuration. 身体運動。 空間。 沈黙。
それらすべてが同じ重要度で配置される。
舞台作品においても同様である。
観客は音楽を聴くというより、ひとつの環境に入っていく感覚を体験する。
Monk の作品では音楽が主役なのではなく、体験全体がひとつの作品として成立している。
The challenge of opera “ATLAS”
In 1991, he released the opera ““ATLAS’’.
This is very different from regular opera.
物語中心ではない。
There are no heroes or villains.
旅そのものが主題となる。
人類の移動。 expedition. 未知への憧れ。
These themes are depicted through abstract images and music.
Monk deconstructed the opera format and presented new possibilities.
その意味で《ATLAS》は20世紀後半の実験的オペラ史において重要な位置を占めている。
《ATLAS》は物語を語るオペラではなく、人間の想像力そのものを描いた作品だった。
Influences on many artists
Meredith Monk の影響は想像以上に広い。
現代音楽家だけではない。
実験電子音楽。 Ambient. Postclassical. 映画音楽。 パフォーマンスアート。
さまざまな領域に波及している。
近年のドキュメンタリー『Monk in Pieces』では、David Byrne や Björk らがその影響について語っている。([ウィキペディア][3])
彼女は流行を作った人物ではない。
Rather, he can be said to be the person who became the source of reference for subsequent generations.
Many artists did not imitate Meredith Monk, but discovered possibilities in her.
年表
| 年 | 出来事 |
|---|---|
| 1942 | ニューヨーク生まれ |
| 1964 | Sarah Lawrence College卒業 |
| 1968 | The House設立 |
| 1969 | 「Juice」発表 |
| 1978 | Meredith Monk & Vocal Ensemble formed |
| 1981 | 『Ellis Island』公開 |
| 1981 | 『Dolmen Music』発表 |
| 1988 | “Book of Days” released |
| 1991 | オペラ《ATLAS》発表 |
| 1995 | マッカーサー・フェロー受賞 |
| 2003 | Orchestral work “Possible Sky” premiered |
| 2004 | “Stringsongs” premiere |
| 2014 | National Medal of Arts |
| 2025 | ドキュメンタリー『Monk in Pieces』公開 |
なぜ今もMeredith Monkが重要なのか
現在はAIによる音楽生成やデジタル制作が当たり前の時代になった。
Much of music production is completed on screen.
しかし Meredith Monk が追求してきたものはまったく逆だった。
身体。
呼吸。
space.
Existence.
彼女は人間がそこにいるという事実そのものを芸術へ変換した。
だからこそ時代が変わっても古くならない。
声を発するという最も原始的な行為を見つめ続けたからだ。
音楽が高度にテクノロジー化した現在だからこそ、彼女の作品はむしろ新鮮に響く。
There are still physical fluctuations that cannot be replaced by machines.
Meredith Monk の芸術は、未来の音楽を予言したのではなく、人間の声が持つ根源的な力を再発見し続けた記録なのである。
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