[Kolumne] Das sich wiederholende Gerät, das das Universum zum Klingen brachte: Hawkwinds Flugbahn und sein wachsendes musikalisches Bewusstsein
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Erfindung namens Space Lock
Text: mmr｜Thema: Genealogie der musikalischen Bewusstseinserweiterung, die Wiederholung, Raum und Technologie verbindet
Vom unterirdischen London in den Weltraum
Hawkwind entstand 1969 aus der Londoner Underground-Szene und nimmt einen einzigartigen Platz in der Rockgeschichte ein. Sie definierten Musik neu als „räumliches Erlebnis“ und nicht nur als Erweiterung des Psychedelic Rock.
Die zentrale Figur, Dave Brock, beginnt mit Blues und Folk, geht aber nach und nach dazu über, Wiederholungen, Drones und elektronische Klänge zu überlagern. Dabei entwickelte sich für die Band ein einzigartiger Stil mit einem bestimmten Rhythmus und einer bestimmten Struktur, bei dem die Improvisation weiterhin im Mittelpunkt stand.
Ihre Musik wird oft als „Space Rock“ bezeichnet, aber das ist nicht nur eine atmosphärische Metapher. Ausgedehnte Beats, sirenenartige Synthesizer-Sounds und sprechender Gesang. Wenn sie zusammenkommen, wird die Wahrnehmung des Zuhörers von seinem alltäglichen Zeitgefühl getrennt.
Zu diesem Zeitpunkt waren die Schlüsselelemente, die später zu Techno und Ambient-Musik führen sollten, bereits vorhanden. Wiederholung, Trance und mechanischer Rhythmus.
Hawkwind basierte nicht auf dem Thema „Raum“, sondern war ein Wesen, das durch Klang die „kosmische Wahrnehmung selbst“ erzeugte.
Repräsentative Werke und der Kern des Klangs
Weltraumerlebnis als Klangquelle
Die Einzigartigkeit von Hawkwind zeigt sich nicht nur in ihren Live-Auftritten, sondern auch in ihrer Studioarbeit. Dabei greifen wir repräsentative Werke auf und ordnen ihre Strukturen und Bedeutungen.
Das Album „In Search of Space“ war ein früher Wendepunkt. Es ist ein Werk, das elektronische Klänge und Erzählelemente verstärkt und die Richtung der Band verdeutlicht. Die Klänge sind nicht nur Musikstücke, sondern als kontinuierliches Erlebnis arrangiert.
Der Nachfolger Doremi Fasol Latido führt eine engere Wiederholungsstruktur ein. Das Sustain der Riffs und die treibende Kraft des Rhythmus wurden stärker und der tranceartige Charakter des Songs noch intensiver. Der Sound ist hier sehr nah an späteren Techno-Strukturen.
Ihr Live-Werk „Space Ritual“ gilt als die reinste Aufzeichnung ihres Wesens. Lange Laufzeiten, Lärm und Gedichtlesungen werden integriert und fixieren das Live-Erlebnis selbst als Klangquelle.
„Silver Machine“, weithin als ihr Signature-Song bekannt, hat eine außergewöhnliche Pop-Struktur, in der sich jedoch immer noch Wiederholungen und eine treibende Kraft befinden. Die einfache Basslinie und der Rhythmus bewegen den Körper des Zuhörers direkt.
Dann gibt es „Master of the Universe“, ein schweres Riff und einen anhaltenden Beat, der bis an seine Grenzen geht. Dieses Lied wird oft als Prototyp für den späteren Stoner-Rock und Doom bezeichnet.
Gemeinsam ist diesen Werken, dass die Lieder keinen „Anfang und kein Ende“ haben, sondern als „Verweilräume“ konzipiert sind.
Hawkwinds Meisterwerke sind nicht als Sammlung von Liedern aufgebaut, sondern als Kontinuum, das das Bewusstsein bewegt.
Wiederholung und Trance-Struktur
Verbindung mit Motorik
Was wesentlich ist, wenn man über die Eigenschaften von Hawkwind spricht, ist das Vorhandensein eines anhaltenden Beats. Das hat eine Qualität, die mit dem motorischen Rhythmus des deutschen Krautrocks mitschwingt.
Insbesondere Hawkwinds Ansatz entwickelte sich parallel zu der von Neu! entwickelten Idee der Wiederholung. und Can. Es ist kein Zufall, aber man geht davon aus, dass die Atmosphäre der damaligen Zeit von einem gemeinsamen Glauben an eine „Bewusstseinstransformation durch Wiederholung“ geprägt war.
Hawkwinds Songs bestehen aus einfachen Riffs, die lange anhalten und dann mit Lärm und elektronischen Klängen überlagert werden. Diese Struktur kommt der Grundstruktur der späteren Minimal Music und des Techno überraschend nahe.
Wichtig dabei ist, dass kleine Veränderungen tatsächlich das Bewusstsein erweitern. Musik ist nicht etwas, das sich weiterentwickelt, sondern ein Ort, der bleibt.
Hawkwinds Iterationen sollten die Wahrnehmung verändern, nicht nur den Spielstil.
Sound- und visuelle Integration
Ein totales Live-Erlebnis
Bei Hawkwinds Live-Auftritten geht es nicht nur um Musik. Es wurde als umfassendes Kunstwerk konzipiert, das Beleuchtung, Video, Tänzer und Gedichtlesungen integriert.
Besonders wichtig ist seine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Michael Moorcock, da dessen Science-Fiction-Weltbild eng mit seiner Musik verbunden ist. Die Bühne wird zum Erzählraum, in den das Publikum eintaucht.
Diese Methode beeinflusste auch die spätere Industrie- und Rave-Kultur. Man kann sagen, dass dies ein frühes Stadium im Übergangsprozess der Musik von „etwas zum Anhören“ zu „etwas zum Erleben“ ist.
Darüber hinaus wirken sich die fast schon überhöhte Lautstärke und Dauer direkt auf die körperlichen Empfindungen aus. Dies ist eine Funktion, die mit späterer Geräuschmusik geteilt wird.
Ihr Live-Auftritt war kein Konzert, sondern eine Umgebung zur Rekonstruktion der eigenen Sinne.
Lemmy und verhärtendes Klangbild
Einführung in Gewicht und Geschwindigkeit
Hawkwinds Sound veränderte sich in den frühen 1970er Jahren erheblich, als Lemmy, der später Motörhead gründete, Mitglied war.
Ihr Signature-Song „Silver Machine“ hat ein einfaches, kraftvolles Riff und einen treibenden Rhythmus und steigerte sofort die Popularität der Band. Während dieser Zeit erhalten sie eine eher steinartige Energie.
Interessant ist jedoch, dass die sich wiederholende Struktur auch nach der Schwierigkeit erhalten bleibt. Durch die Hinzufügung von Geschwindigkeit und Gewicht wird die Trance noch körperlicher.
Diese Veränderung wurde zu einer Brücke zum späteren Hard Rock, Metal und sogar Industrial.
Lemmys Hinzufügung war der Wendepunkt, der Hawkwinds Universum in ein Gravitationsuniversum verwandelte.
Einfluss auf elektronische Musik
Techno vor Techno
Obwohl Hawkwinds Musik direkt dem Rock zuzuordnen ist, enthält ihre Struktur eindeutig Archetypen elektronischer Musik.
Konstantes Tempo, Wiederholung und geschichtete Struktur. Dies sind die Grundlagen des späteren Detroit Techno und Berlin Techno. Insbesondere die Anhäufung von anhaltenden Beats und subtilen Veränderungen ist dieselbe Idee wie der Kern der Clubmusik.
Während es bei Kraftwerk ausschließlich um Mechanik ging, verfolgte Hawkwind einen organischeren, chaotischeren Ansatz. Gemeinsam ist beiden jedoch, dass sie „durch Wiederholung zukunftsorientiert“ sind.
Die Nachhaltigkeit des Klangs hat auch einen Umgebungsaspekt. Die Idee, dass Klang als Umgebung existiert, beeinflusste auch die spätere Klangkunst.
Obwohl Hawkwind eine Rockband war, praktizierten sie bereits Techno-Denken.
Chronologie: Routen erweitern
Großveranstaltungen
Obwohl sich die Mitglieder im Laufe ihrer langen Tätigkeit drastisch verändert haben, bleibt die Grundideologie bestehen. Es ist „Erweiterung durch Klang“.
Obwohl Hawkwind von Zeit zu Zeit seine Form ändert, geht es immer auf derselben Route weiter.
Fazit: Ein Gerät, das über Musik hinausgeht
Struktur zur Bewusstseinsveränderung
Das Wesen von Hawkwind lässt sich nicht durch das Genre erklären. Sie sind Rock, elektronische Musik und Performance-Kunst.
Wichtig ist, dass sie alle in einem Punkt übereinstimmen: „Bewusstseinstransformation“. Wiederholung, Volumen, Visuals, Erzählung. Wenn diese integriert werden, wird Musik zu einem Gerät und nicht nur zur Unterhaltung.
Diese Idee steht in direktem Zusammenhang mit moderner Clubkultur und Klangkunst. Mit anderen Worten: Hawkwind ist keine vergangene Einheit, sondern eine fortwährende Gründung.
Der Sound von Hawkwind wurde so konzipiert, dass er „erfasst“ und nicht gehört werden kann.
