[Kolumne] Aphex Twins philosophische Sicht auf Musik: Koexistenz von Ordnung und Unordnung
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Warum ist sein Klang „unverständlich, aber schön“?
Text: mmr｜Thema: Aphex Twins philosophische Sicht auf Musik, die das Zusammenleben von Ordnung und Unordnung in der elektronischen Musik verkörpert
Musik hat normalerweise einen „Dirigent des Verstehens“. Melodie, Rhythmus, Entwicklung – sie leiten den Zuhörer. In der Musik von Aphex Twin wird diese Dirigentenlinie jedoch absichtlich durchtrennt.
Beats lösen sich auf, Melodien sind fragmentiert und die Platzierung der Noten ist unvorhersehbar. Dennoch kann der Zuhörer die „Schönheit“ darin spüren. Woher kommt dieses Phänomen?
Seine Werke berühren eher die „Wahrnehmung“ als das Verstehen. Der Klang selbst ist so strukturiert, dass er den Körper und die Emotionen erreicht, bevor das Gehirn ihm eine Bedeutung geben kann. Dies ist ein primitiveres und intuitiveres Musikerlebnis, das sich von der harmonischen Schönheit klassischer Musik oder den Hooklines der Popmusik unterscheidet.
Noch wichtiger ist, dass die Störung nicht völlig zufällig ist. Sein Sound hat immer eine innere Struktur. Hinter dem scheinbaren Chaos verbirgt sich ein äußerst präzises Design. Diese „unsichtbare Ordnung“ gibt dem Hörer ein einzigartiges Gefühl von Sicherheit und Unbehagen zugleich.
Mit anderen Worten, seine Musik ist nicht „unverständlich“, sondern nur „eine andere Art, sie zu verstehen“.
Menschen empfinden Schönheit nicht, weil sie etwas nicht verstehen können, sondern wenn ihre Art zu verstehen aktualisiert wird.
Menschen und Anonymität
Richard D. James, auch bekannt als Aphex Twin, wurde 1971 in Cornwall im Südwesten Englands geboren. Es wird gesagt, dass er schon in jungen Jahren ein starkes Interesse an elektronischen Geräten hatte und mit selbstgebauten und modifizierten Geräten Klänge erzeugte.
„Informationsstörung“ ist wichtig, wenn man über seine Karriere spricht. In Interviews vermischt er bewusst Wahrheit und Fiktion. Beispielsweise können Aussagen wie der Überfall auf eine Bank als Kind, der Besitz eines Militärpanzers oder das Komponieren von Musik im Traum nicht als wahr angesehen werden.
Entscheidend ist jedoch nicht, ob es eine Lüge oder eine Wahrheit ist. Er demontiert das „eigentliche Bild eines Künstlers“. Mit anderen Worten handelt es sich um eine Strategie, die die Beziehung zwischen dem Werk und der Persönlichkeit verschleiert und die Interpretation des Hörers beeinflusst.
Auch sein Gesicht erscheint in seinen Werken oft in verzerrter Form. Dabei handelt es sich nicht nur um einen Selbstausdruck, sondern auch um eine „Symbolisierung des Individuums“. Durch die Transformation der identifizierbarsten Information, des Gesichts, wird die eigentliche Frage „Wer du bist“ entkräftet.
Diese Anonymität ist auch ein Mittel, um den Fokus auf die Musik selbst zu richten.
Indem man das Einzelne vage macht, bleibt nur das Werk rein.
Meisterwerke und Klangentwicklung
Die Karriere von Aphex Twin fällt mit der Entwicklung der elektronischen Musik selbst zusammen.
Das erste ist Selected Ambient Works 85–92, eines seiner frühen Meisterwerke. Dieses Stück besteht aus einer einfachen Drum-Machine und schwebenden Synthesizer-Sounds. Der Schwerpunkt lag eher auf „Raum“ und „Emotion“ als auf Komplexität und bestimmte die Richtung des späteren Ambient-Techno.
Der anschließende Selected Ambient Works Volume II schreitet zu einer noch extremeren Abstraktion voran. Der Rhythmus verschwindet fast und ein dröhnender Klang breitet sich aus. Dieses Werk erweiterte die Möglichkeiten elektronischer Musik als Umweltmusik erheblich.
In den späten 1990er Jahren schlug er eine aggressivere und experimentellere Richtung ein. Insbesondere „Windowlicker“ war weithin für seine seltsamen Bilder bekannt, die die Grenzen zwischen Pop und Avantgarde verwischten.
und Drukqs im Jahr 2001. In diesem Album koexistieren ultraschnelle und komplexe Drum-Programme mit ruhiger Klaviermusik. Hier kommt seine Ästhetik – das Zusammenleben von Chaos und Ordnung – am deutlichsten zum Ausdruck.
„Syro“ aus dem Jahr 2014 integriert Elemente aus der Vergangenheit und verleiht ihnen gleichzeitig einen anspruchsvolleren Sound.
Seine Arbeit ist keine Evolution, sondern eine Reihe von Bewegungen in verschiedene Dimensionen.
Rhythmus neu erfinden
Rhythmus ist das Herzstück der Innovation von Aphex Twin.
In der Clubmusik ist Rhythmus ein Mittel zur Bewegung des Körpers. Aber er zerstört diese Prämisse. Der Takt ist unterteilt, mehrere Tempi laufen gleichzeitig und die Taktart ändert sich ständig.
Dennoch hat seine Musik einen Groove. Woher kommt dieser Widerspruch?
Sein Rhythmus reproduziert in hohem Maße „menschliche Abweichungen“. Da es sich um winzige Schwankungen und nicht um völlige mechanische Präzision handelt, nimmt der Zuhörer unbewusst seine Körperlichkeit wahr.
Darüber hinaus behandelt er Rhythmus nicht als „Zeiteinteilung“, sondern als „Zeitskulptur“. Die Zeit selbst wird durch die Anordnung der Klänge verändert.
Rhythmus markiert nicht die Zeit, sondern ist ein Werkzeug, das die Zeit verändert.
Distanz zum Techno
Aphex Twin wird oft im Zusammenhang mit Techno erwähnt, ihr Wesen ist jedoch ganz anders.
Im Gegensatz zur Wiederholbarkeit und Funktionalität von Detroit Techno ist seine Musik nicht funktional. Da es nicht für den Einsatz auf einer Tanzfläche gedacht ist, ist die Struktur frei und ihre Entwicklung unvorhersehbar.
Auch wenn es von Ambient beeinflusst ist, ist es mehr als nur Ambient-Musik. Sein Sound erfordert immer „Hören“.
Gehört zum Genre und weicht zugleich davon ab. Diese Dualität verleiht seiner Musik eine einzigartige Stellung.
Er gehört keinem Genre an, sondern transformiert das Genre selbst.
Anekdoten und Legenden
Es gibt viele Geschichten über Aphex Twin.
Es gibt zum Beispiel eine Geschichte, in der eine Festplatte voller unveröffentlichter Songs in einem Flugzeug zurückgelassen wurde und später durchgesickert ist. Es heißt auch, dass er mit seiner eigenen Software äußerst komplexe Rhythmen generiert.
Noch berühmter sind seine Anekdoten über Live-Auftritte. In einigen Fällen spielten sie nur die Tonquelle ab oder sorgten absichtlich für Verwirrung, sodass die „Darbietung“, die das Publikum erwartete, verraten wurde.
Diese Aktionen mögen provokant wirken, für ihn sind sie aber auch ein Versuch, „das Musikerlebnis selbst“ neu zu definieren.
Auch gruselige Bilder mit zusammengesetzten Gesichtern und unvorhersehbare Werbeaktionen gehören zu seiner Arbeitswelt.
Die Legende ist keine Übertreibung, sondern das Ergebnis der Realität seiner Ideen.
Einfluss auf zeitgenössische Musik
Der Einfluss von Aphex Twin ist unermesslich.
Die IDM-Szene, die sich rund um Warp Records bildete, wurde stark von seiner Anwesenheit geprägt.
Auch Thom Yorke von Radiohead hat seinen Einfluss offen zum Ausdruck gebracht, und sein Einfluss spiegelt sich stark in seinen Werken nach Kid A wider.
Darüber hinaus haben zeitgenössische Künstler wie Flying Lotus und Arca seine Ideen geerbt und sich gleichzeitig auf ihre eigene Weise weiterentwickelt.
Sein Einfluss geht über den Klangstil hinaus. Es liegt in der Erneuerung der Frage: „Was ist Musik?“
Er veränderte die Idee von Musik, nicht die Form der Musik.
Chronologie
- 1971: Richard D. James wird geboren
- 1992: Ankündigung der Selected Ambient Works 85–92
- 1994: Veröffentlichung von Selected Ambient Works Volume II
- 1999: „Windowlicker“ veröffentlicht
- 2001: Drukqs angekündigt
- 2014: Syro angekündigt
Strukturdiagramm: Chaos und Kontrolle
Fazit: Die Idee, das Chaos zu kontrollieren
Die Musik von Aphex Twin ist mehr als nur Experimentieren. Es handelt sich um eine „Methodik“ für den Umgang mit Chaos und Ordnung zugleich.
Er verlässt sich nicht auf den Zufall. Entwerfen Sie vielmehr bewusst etwas, das wie ein Zufall klingt. Dadurch wird der Zuhörer mit einem unbekannten Erlebnis konfrontiert.
Diese Struktur gilt auch für die moderne Schöpfung im Allgemeinen. Im Zeitalter der Informationsflut ist perfekte Ordnung langweilig und totales Chaos unvorstellbar. In dieser Zeit entsteht neuer Wert.
Seine Musik erforscht weiterhin diesen Zwischenbereich.
Die Kontrolle des Chaos ist selbst der Kern moderner Kreativität.
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