[Kolumne] Die Ära der Musik ohne Grenzen: KI, Nostalgie und „Sound für den Anlass“
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Prolog: Eine Ära, in der Musik im „Kontext“ gehört wird
| Text: mmr | Thema: Eine Ära, in der KI Musik erschafft und Menschen sie neu interpretieren. Wo ist in einem kreativen Umfeld, das von generativer KI dominiert wird, die „Menschlichkeit“ angesiedelt? Kulturelle Überlegungen zur Rekonstruktion von Musik und Sensibilitäten in der Post-KI-Ära |
Über Musik im Jahr 2025 wird nicht mehr nach „Genre“ gesprochen. Das Hörerlebnis auf Spotify und Apple Music wird je nach Stimmung, Zeit und Anlass neu organisiert und geht über die Kategorien „Rock“, „Hip-Hop“ und „Electronica“ hinaus.
„An einem regnerischen Tag hören“, „Track um 2 Uhr morgens“ und „Ein Morgen mit Kaffee verbracht.“ Diese Listentitel weisen auf einen neuen Wert hin: „Kontext über Genre“. Über Musik spricht man nicht danach, woraus sie besteht, sondern danach, wie sie mitschwingt bzw. zu Situationen passt.
Im Zentrum dieser Veränderung stehen KI, Nostalgie und das eigene „Gedächtnis“ des Hörers.
Kapitel 1: „Demokratisierung der Komposition“ durch KI und der Wert des „menschlichen Kontexts“
Tools zur KI-Musikgenerierung – Suno, Udio, AIVA, Stable Audio. Diese werden im Jahr 2025 die Grenzen zwischen Profis und Amateuren auflösen. Das „Schaffen“ von Musik ist keine Spezialkompetenz mehr, sondern hat sich zum „Ideen eine Form geben“ entwickelt.
KI „macht Geräusche“, Menschen „wählen Bedeutungen“
Der Electronica-Künstler Arca beispielsweise behandelt KI-Sound als Material und kombiniert ihn mit seiner eigenen echten Stimme. Was sie macht, ist „Kontextdesign, das fragt, warum man sich für eine der unzähligen Möglichkeiten der KI entscheiden sollte.“ In ähnlicher Weise hat James Blake aus Großbritannien ein Album [„Playing Robots Into Heaven“ (2024)] (https://amzn.to/3L1hE6D) mit dem Thema „menschliche Fragilität“ erstellt und dabei KI als „Co-Autor“ behandelt.
Diese Beispiele zeigen, dass KI immer weniger zu einem „Klangerzeuger“ und mehr zu einem „Spiegel, der hervorhebt, was Menschen wählen“ wird. Gerade weil die Werkzeuge allen offen stehen, wird die kontextuelle Macht des Einzelnen = die Bedeutung der Wahl in Frage gestellt.
Kapitel 2: Nostalgie und Klangbilder rund um „die Zukunft der Vergangenheit“
Der „2000er-Jahre-Rückblick“ sorgt in der Musikszene, insbesondere auf TikTok, für große Wellen. Songs von Avril Lavigne und The Killers gehen wieder viral und gleichzeitig erfinden junge Künstler die „Y2K-Ästhetik“ neu.
Die Klänge der 2000er Jahre recyceln und neu erfinden
In den Vereinigten Staaten gelang Chappell Roan der Durchbruch mit „Midwest Princess“ (2024), das die Pop-Sensibilität der 2000er Jahre mit queerem Ausdruck verband. In Japan rekonstruiert Wednesday Campanella die Leichtigkeit des J-Pop der 2000er mit einem KI-ähnlichen Beat-Feeling.
Diese „retro-futuristische“ Musik bewegt sich zwischen „Nostalgie“ und „aktueller Ironie“. Mit anderen Worten: Wir stellen die „Zukunft von damals“ mit der heutigen Technologie und Sensibilität nach.
Auf dem Weg zu „Nostalgie, die das Alter nicht imitiert“
Wichtig dabei ist die Haltung „Neubearbeitung statt Nachahmung“. Wie Playlists wie „Retro-Future Pop“ und „Y2K Wave“ auf Spotify zeigen, bringt die aktuelle Nostalgie die „Klangtextur“ in die Vergangenheit, aber der „Produktionskontext“ ist modern. „BRAT“ (2024) von Charli XCX beispielsweise ist ein Beispiel für die Clubkultur der 90er Jahre und beschäftigt sich gleichzeitig mit dem Thema des Selbstbewusstseins nach dem Internet. Man kann sagen, dass ihre „Methode, vergangene Klänge in Material umzuwandeln“, ein Sampling der Musikgeschichte selbst ist.
Kapitel 3: Lokale Musik überschreibt den globalen Kontext
Die Geschwindigkeit, mit der Musik Grenzen überschreitet, hat sich im Zeitalter der sozialen Medien dramatisch verändert. Im Mittelpunkt steht eine Welle lokaler Ursprünge wie Afrobeats, Amapiano, Latin Trap, K-Pop und eine Neubewertung des City Pop.
Afrobeats und Amapiano: Mainstream-Sounds aus dem Süden
Die nigerianischen Künstler Burna Boy und Rema stehen an der Spitze der Weltcharts und Amapianos Beats werden von Produzenten in Los Angeles und London zitiert. Der Schwerpunkt der Pop-Rhythmen, der früher in Westeuropa angesiedelt war, verlagert sich nun auf die Grooves der südlichen Hemisphäre. Das Tempo ist langsam, der Kick tief, der Bass organisch – „Stille zum Tanzen“ ist zu einer neuen Form des Vergnügens geworden.
City Pop Neubewertung: Aus dem Osten reimportiert
Nachdem das aus Japan stammende Phänomen Mariya Takeuchis „Plastic Love“ im Ausland viral ging, wurde City Pop weltweit in „Asian Nostalgia“ umbenannt. Ab 2025 erschaffen junge Künstler aus Thailand, Indonesien und Südkorea den „Oriental Dream“ neu, indem sie Akkordfolgen und Texturen im City-Pop-Stil zitieren. Das Zentrum des globalen Pop ist nicht nur Los Angeles, sondern hat sich auch auf Bangkok, Seoul und Tokio ausgeweitet.
Kapitel 4: Live-Auftritte und Fandom als „partizipative Musik“
Auch das Konzept der Live-Musik befindet sich im Wandel. Die Kultur des Live-Streamings, die sich durch die Corona-Pandemie ausgebreitet hat, ist nicht zu Ende und wandelt sich nun in eine neue, reguläre Form namens „Hybrid Live“.
Vom Metaverse zur „Augmented Reality“
Travis Scotts „Utopia Experience“ im Jahr 2024 kombinierte einen realen Veranstaltungsort und eine AR-Projektion, um ein „Live-Erlebnis zu schaffen, das das Publikum räumlich erleben kann“. In Japan integrierte Perfume auch die AR-Produktion, um den Fans über ihre Smartphones eine „Alternative-Reality-Bühne“ zu zeigen. Der Wert einer Live-Aufführung hat sich dahingehend verlagert, wie sehr man die „Erinnerungen an den Ort“ und „gemeinsame Momente“ gestalten kann.
Community in der Fan Direct-Ära
Ein Fan-direktes Ökosystem mit Patreon, Bandcamp und Discord reift heran. Zum Beispiel hat Grimes ihre KI-Stimme offiziell freigegeben und den Fans erlaubt, „Songs mit ihrer Stimme zu machen“. Dieser Wandel vom „Zuhören“ zum „Mitmachen“ verwandelt Musik in ein „Gemeinschaftserlebnis“.
Kapitel 5: Klangtrends – Koexistenz von Stille und Dichte
Auch die Klangtrends selbst ändern sich. Charakteristisch für das Jahr 2025 ist das Nebeneinander von Stille (Minimal) und Dichte (Maximum).
„Quiet Club“ und „introspektive Electronica“
Die Popularität von „Slow Grooves“ wie Afro House und Amapiano symbolisiert eine Ära, in der Tanzen auch „Introspektion“ sein kann. Sätze von 100 bis 110 BPM werden in Clubs in Berlin und Seoul zur Norm und schaffen einen Raum, in dem man „tanzend denken“ kann. In Japan erforschen Food-Festivals, auch bekannt als Foodman und Yahyel, „ruhige Clubmusik“.
Im Gegenteil, es gibt auch eine Bewegung zur Beherrschung der „Dichte“
Andererseits sind die Klänge im Post-Hyperpop-Trend immer gesättigter, fragmentierter und lauter geworden. Das übermäßige Bearbeitungsgefühl von 100 Gecs und Dorian Electra ist auch eine Anspielung auf die Frage „Inwieweit können wir Pop zerstören?“ In einer von KI geschaffenen Welt ist „Zerstörung“ zu einer neuen Form der Kreativität geworden.
Kapitel 6: Eine neue Beziehung zwischen Zuhörern und Musikerlebnis
Heutige Hörer „besitzen“ keine Musik. Vielmehr möchten sie „die Zeit teilen“. Abonnement, Live, SNS, Kurzvideo. Musik wird nicht als „Ding“, sondern als „Moment im Fluss“ konsumiert.
Reifung der Playlist-Kultur
Auf Spotify sind „stimmungsbasierte Playlists“ zum Mainstream geworden, und es scheint, dass „Musik zu einem Teil des Hintergrunds wird“. Da es sich jedoch in Wirklichkeit um einen „Hintergrund“ handelt, ist es erforderlich, dass es „mit der Umgebung in Resonanz steht“. Zuhörer suchen nach „Liedern, die die Atmosphäre verändern“, und Künstler kreieren „Lieder, die Orte gestalten“.
Das Albumformat neu definieren
Bemerkenswert ist auch, dass das Album als „Sammlung von Geschichten“ neu gedacht wird. Billie Eilishs „HIT ME HARD AND SOFT“ (2024) beispielsweise legte Wert auf „ein tiefgreifendes Erlebnis während des gesamten Werks“ und nicht auf die Viralität jedes einzelnen Songs. Der Akt des „Albenhörens“ ist im Streaming-Zeitalter paradoxerweise zu einer luxuriösen Art geworden, Zeit zu verbringen.
Letztes Kapitel: Jenseits dessen, wo Musik „ihre Grenzen verloren hat“
Noch nie war Musik so vielfältig, demokratisiert und verbreitet. KI hilft beim Komponieren von Musik, Nostalgie wird zum Material für die Zukunft und Globales und Lokales überschneiden sich.
Dieser Wandel sollte nicht einfach als „Chaos“, sondern als „Anfang der Freiheit“ betrachtet werden. Musik war schon immer ein Medium, das Menschen, Zeit und Erinnerungen verbindet.
Was wir jetzt brauchen, ist–
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Es geht nicht darum, wer den Ton erzeugt, sondern darum, warum der Ton erzeugt wird.
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Es geht nicht darum, um welches Genre es sich handelt, sondern darum, welche Art von Moment es erzeugt.
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Wie aktualisieren wir die emotionale Resonanz statt der technologischen Entwicklung?
Die Musik des Jahres 2025 stellt uns alle diese Frage. Und die Antwort ist nicht KI oder Algorithmen. Es existiert stillschweigend im „Zuhören“.
Liste der Referenzkünstler und Werke
| Künstler | Repräsentative Werke (Jahr) | Notizen | Link |
|---|---|---|---|
| James Blake | Roboter in den Himmel spielen (2024) | Kollaborativer Produktionsprozess mit KI | Amazon |
| Charli XCX | BRAT (2024) | Nostalgie + Internetkulturfusion | Amazon |
| Chappell Roan | Midwest Princess (2024) | Y2K-Pop und feministischer Ausdruck | Amazon |
| Burna Boy | Ich habe es ihnen gesagt… (2023) | Globale Expansion von Afrobeats | Amazon |
| Billie Eilish | SCHLAG MICH HART UND WEIß (2024) | Neubewertung des „Albumerlebnisses“ | Amazon |
| Food Festival, auch bekannt als Foodman | Yasuragi-Land (2021) | Statischer Clubsound aus Japan | Amazon |
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